A l’instar de ce qui se passe en musique, la BD Rock ne cesse d’enrichir sa palette de nouveaux thèmes et personnages illustrant ses différentes chapelles. C’est ainsi que l’on voit de plus en plus s’épanouir sur les planches à dessins ces jeunes gens fascinés par le Diable et l’Enfer, exhibant leurs tignasses, leurs attributs pileux, leurs clous et autres accessoires plus ou moins contondants. Cette bande de joyeux drilles compte désormais un nouveau membre en la personne d’Alfred Von Bierstüb, un Métalleux bon teint et, osons le dire, malgré l’incompréhension que pourrait susciter l’expression auprès des masses peu au fait des subtilités de cette culture, bon enfant.
Car Alfred est un brave type, un mec sympathique, généreux, enthousiaste, tout à fait fréquentable comme en témoigne la présence à ses côtés de sa compagne, la ravissante Gott, dont les qualités plastiques se doublent aux yeux de l’élu de son cœur du même penchant inconditionnel pour la distorsion, les éructations, les décibels gras et les cornes du diable… le Métal quoi, et sous toutes ses formes.
Ce premier album nous permet de faire connaissance avec le héros barbu, sa dulcinée, son groupe et bien sûr la musique douce et romantique qui fait sa joie. La BD de Janpi s’inscrit un peu dans la même mouvance que Les Musicos ou Rock’n’Vrac de Michel Janvier avec un humour tous publics ayant choisi le gag pour faire connaître cette forme de Rock extrême et outrancière qui suscite souvent le rejet, l’effroi et la moquerie des mécréants qui, à l’instar du grand penseur belge défiscalisé, assimilent cheveux longs et idées courtes. Death, Black, Heavy…les péripéties d’Alfred évoquent et détournent quelques clichés de cette culture qui fleure bon le vieux cuir et la bière fermentée. Surtout, il démystifie l’image du fan de Métal qui dans le privé se révèle un amateur de Rock comme un autre, débonnaire et bien élevé, juste doté d’un peu plus de poils et de cheveux.
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Dessins et scénario : Mike Dawson
Il y a ceux qui collectionnent les enregistrements pirates, le moindre pin’s et même les sous-vêtements. Ceux qui hurlent comme des hystériques, font le siège des hôtels, s’infiltrent backstage. Les plus dévoué(e)s vont jusqu’à faire le don de leur corps, d’autres virent schizos et se transforment en pâles copies, sosies bouffonesques pour foires aux cochons, quinzaines commerciales ou discothèques rurales. Et puis il y a ceux pour qui la rockstar n’est pas une divinité mais juste une présence au quotidien, un compagnon, un confident, un ami qui fait partie de leur vie ans sans pour autant la résumer.
Mike Dawson a neuf ans quand son grand-frère lui file une cassette (vous savez, cette petite bande magnétique qui permettait de copier impunément des disques et que les grandes maisons de disques voyaient comme l’instrument maléfique de leur déclin). Cette pierre philosophale contient une compil de Queen et c’est alors que la vie de Mike… eh bien non, son existence n’est pas transformée radicalement, comme après une révélation divine. L’intoxication royale se fait progressivement, inexorablement. L’auteur va devenir, comme tant d’autres, un fan du quatuor british. Un inconditionnel découvrant et aimant tout le répertoire du groupe, des titres les plus rock aux tubes grand public, apprenant les paroles par cœur, imitant les poses de Freddie Mercury.
Dans cette chronique autobiographique, Mike Dawson se livre sans détour. Il parle de choses simples et banales qui construisent une existence, entre une famille unie et sans histoire, les querelles avec sa sœur, les doutes de l’adolescence, les premières amours. A chaque étape de cet apprentissage de la vie, suite de rites initiatiques, Queen est présent, avec une chanson pour illustrer chacun de ces moments décisifs (dont le départ de sa Grande Bretagne natale vers les Etats-Unis n’est pas le moindre) et même parfois offrir une échappatoire ou un support à l’imagination. Au futur artiste que va devenir Dawson, Freddie Mercury offre une source d’inspiration au quotidien, un modèle fascinant, à l’instar des super-héros qu’il reproduit sur ses carnets de dessin. 
La rockstar n’est pas décrite comme une entité abstraite et intouchable mais comme un guide, un autre grand-frère. On y comprend à quelle point cette passion, bien loin d’être aliénante et obsessionnelle (même si l’auteur emploie le terme) est fondatrice et constitue la clé de l’évolution de l’enfance vers l’âge adulte. Freddie et moi illustre bien ce va et vient permanent entre rêve et réalité, si particulier à la relation intime que le fan entretient avec son idole.
Le meilleur exemple en est la mort de Freddie Mercury qui touche le jeune Mike au plus profond, autant que le fera plus tard la mort de sa grand-mère. Dawson dépeint ainsi de façon lucide une passion fidèle et tenace qu’il assume à tous les âges de sa vie et qui se renforce avec le temps.
Un beau portrait de fan et un bel hommage à l’un des groupes les plus originaux mais aussi l’un des plus controversés de l’histoire du Rock.
La Musique Actuelle pour les sourds et malentendants
Dessins : TERREUR GRAPHIQUE – Textes : Jack DAMPREMY
A ceux qui pensent sincèrement que des groupes comme U2 font partie des plus grands groupes de l’histoire du Rock, sans forcément déconseiller la lecture de ce livre, on adressera quand même un avertissement courtois mais ferme : vous risquez de découvrir (ou du moins d’entrevoir) des trucs et Dieu sait que les révélations sont parfois douloureuses à ceux qui vivaient jusqu’alors dans l’obscurité.
Et en parlant d’obscurité, on est justement en plein dedans. Tindersticks, Daniel Johnston, Richey James… ça vous dit rien ? Tant pis pour vous ! Car la démarche de La Musique Actuelle pour les sourds et malentendants (je le cite in extenso une fois, mais n’y revenez pas) est de parler des contrées sombres et farouches de l’underground, celui des vrais branchés, aficionados revêches et obstinés de groupes ou d’artistes dont le fan club pourrait tenir sans problè
me son assemblée générale dans une piaule de cité universitaire (ou une chambre de bonne parisienne pour les plus aisés).
En une suite de chroniques débridées et délurées, tant dans le propos que dans le graphisme, sont évoqués ces rockers émancipés, apôtres d’un Punk intello, d’un Rock noisy, d’une Pop désabusée, d’une Soul dilettante, d’un Electro déphasé… en fait, il suffit de mettre un Post devant chaque style.
Comme pour la musique, la lecture de la BD actuelle (non, je dirais pas « nouvelle » !) requiert une éducation de base et un minimum d’ouverture d’esprit, ça n’est pas donné à tout le monde. L’approche n’est pas sans rappeler celle d’un Jean-Christophe Menu, le ton pédagogique en moins. Les plus érudits auront ainsi la confirmation qu’ils appartiennent bien à l’élite des amateurs de Rock et les autres s’offusqueront de ne pas en faire partie, soit par jalousie, soit par dédain.
Pourtant, on ne pourra reprocher à La Musique Actuelle son élitisme. Certes, les jugements sont définitifs et les sentences prononcées à l’encontre du Mainstream irrévocables (mais souvent fondées). Mais, à 
moins d’être complètement ignare, on n’y parle pas exclusivement d’illustres inconnus dont les ventes ont l’élégance de ne pas dépasser les quatre chiffres, et ensuite et surtout parce que tout ça est quand même le prétexte à raconter des conneries. L’humour est ici gras, provocateur, libidineux, ostensiblement de mauvaise foi mais non dénué d’autodérision. Le postulat est bien celui adopté par tous les accrocs du binaire primaire : parler inlassablement de ce qui les fait remettre un nouveau disque sur, ou à la rigueur dans, la platine (on évitera de parler de MP3, nous sommes entre gens distingués) et d’aller galérer dans les concerts pour y traquer la nouveauté, la perle rare. La volonté de partager ça est évidente, sinon, ben, les auteurs n’auraient pas fait le bouquin. Ironie suprême, l’auteur vient de récolter le prix coup de cœur du festival Quai des Bulles de Saint Malo. En route vers la gloire et le Mainstream ?
Haddon Hall
Les biographies de grands noms du Rock en bandes dessinées sont devenus monnaie courante, avec du bon, voire du très bon et du franchement moins bon. Il faut dire que l’exercice est exigeant et que sa principale difficulté est sans doute de rester fidèle à la réalité tout en adoptant sa propre vision, au risque de tomber dans la chronique béate ou la plate biographie chronologique. Spécialement quand on s’attaque à une légende dont il n’est pas évident de retracer toute la carrière. Ou alors… on choisit (et donc on renonce) une tranche, une étape de préférence décisive et on traite le sujet dans le détail.
C’est ce que Néjib a entrepris de faire en se frottant au plus grand artiste de la Brit Pop (si l’on met de côté la bande des quatre grands groupes sixties qu’il serait injurieux pour le lecteur de lister), Mister David Jones alias Bowie. Et plutôt que de narrer l’un des chapitres glorieux de la genèse du Thin White Duke, il a préféré s’intéresser à une période moins glamour, avant le Glam justement et avant que le succès n’arrive.
Bowie n’est pas encore une star et, malgré un talent indéniable que le milieu musical lui reconnait, n’arrive pas encore, à l’exception notable de Space Oddity, à pondre les tubes qu’il enfilera ensuite comme des perles. L’action se déroule au moment de la composition de l’album The Man who sold the World. Bowie a les cheveux qui lui tombent sur les épaules et n’a pas encore découvert les délices du blush et du rimmel. Il vient d’emménager dans un manoir décrépi de la banlieue londonienne, Haddon Hall, que Néjib a eu l’idée originale d’utiliser comme le témoin et narrateur des évènements qui vont se produire à l’intérieur de ses murs. Au sous-sol de la vénérable et classieuse demeure qui tombe dignement en ruines, David a installé un grand local de répétition afin de se donner les moyens de ses ambitions. Et pour mettre toutes les chances de son côté, il a fait emménager les musiciens qui vont enregistrer avec lui et même le producteur, Tony Visconti, formant ainsi une petite communauté de musiciens aussi fauchés que talentueux. Tous les ingrédients sont donc réunis pour donner naissance à un chef-d’œuvre, sauf que David n’est pas encore Bowie…
Le parti pris de Néjib est justement ce qui fait l’un des principaux intérêts de ce livre : montrer l’artiste qui se cherche encore et n’est pas sûr d’arriver à traduire ce qu’il a dans sa tête. Avec un graphisme minimaliste mais élégant, tout à fait adapté au dandysme de Bowie (y’a pas de hasard) et une mise en couleurs chatoyante qui évoque le swinging London de l’époque, Haddon Hall se concentre sur l’essentiel, à savoir décortiquer le processus créatif, fait de doutes, de reculades, de petites trahisons, d’instants de grâce et de petits détails du quotidien. Le personnage complexe de Bowie en ressort ainsi avec plus de relief. Un musicien talentueux mais pas un génie éthéré et sans faille, capable de grands moments tout comme de petites bassesses, inhérentes à un égocentrisme et une vanité qui lui permettront de se distinguer de la masse.
L’autre qualité d’Haddon Hall est de restituer le contexte « historique », le Londres musical et effervescent de la fin des années 1960, avec ses héros tels Marc Bolan, alter égo de Bowie dont la rivalité amicale (T. Rex va accéder avant lui à un succès phénoménal en Angleterre) sera un aiguillon pour Bowie et bien sûr Tony Visconti, l’un des meilleurs producteurs de l’histoire du Rock. Le récit est émaillé de nombreuses anecdotes, témoins d’une recherche documentaire minutieuse et s’attarde aussi sur la relation particulière que David Bowie entretenait avec Terry, son demi-frère dont le déséquilibre mental l’avait mené à l’asile.
Au final, Haddon Hall est un livre indispensable pour les fans de Bowie et de Pop anglaise en général. Ce qui, pour un premier album, place d’emblée Néjib dans la catégorie des auteurs de BD qu’il va falloir surveiller de près.
The Zumbies – Heavy Rock Contest
Dessins : JULIEN – Textes : Yan LINDINGRE
On avait quitté les Zumbies dans la moiteur marécageuse d’une campagne française aux relents de Bayou, réglant leurs comptes à une horde de cul-terreux cathos intégristes. On les retrouve en compétition avec la fine fleur du Rock sataniste, horrifique et déviant au Heavy Rock Contest de Woodtonguestock, dont le vainqueur gagnera l’insigne honneur d’enregistrer un 45 tours aux studios 666 de Fire Island.
Et déjà un sentiment familier anime le lecteur, celui de retrouver de vieilles connaissances, doublé de l’intuition que ces monstres électriques sont partis pour faire de vieux os.
Ce qui faisait le charme sanglant du premier album se confirme ici. The Zumbies, c’est comme un morceau des Cramps ou des Ramones, brut, cradingue, agressif et sans concessions. Pas d’intrigues alambiquées et de multiples niveaux de lecture. Sur fond de Rock lourd et râpeux, ça finit toujours par tronçonner, éventrer et gicler à grands jets, avec toutes sortes d’instruments contondants (même une basse rutilante peut s’avérer une sulfateuse dévastatrice !). Au menu : décibels, boyaux sanguinolents et cervelles savoureusement dégustées par ces gourmets décharnés.
Cette éruption de violence grandguignolesque n’a qu’un seul but : servir la cause du Rock’n Roll dont les clichés revisités hantent les pages de l’album. A noter que Julien/Cdm s’est vraiment déchainé et nous livre de superbes planches, denses, touffues, un régal pour la rétine.
De l’humour potache, transgressif et défoulatoir, à s’envoyer à fond les potards. De la pure BD Rock quoi !
Pour les non-initiés : la chronique du premier album
Kebra
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Dessins et textes : TRAMBER et JANO
Kebra est avec Lucien et Les Closh, le troisième membre de ce triumvirat de héros qui marquent l’avènement de la BD Rock en France, dans les pages de Métal Hurlant.
Si l’on devait définir Kebra en quelques mots, on pourrait dire qu’il s’agit d’une version trash de Lucien, un Lucien qui serait passé du côté obscur. Ce serait certes lapidaire mais tout de même suffisamment évocateur.
Car le héros à tête de rat, créé en 1979 par Tramber et Jano a beaucoup de points communs avec le rocker à la banane métallique de Frank Margerin. A l’instar de Lucien, Ricky et consorts, Kebra est un loubard de banlieue qui joue du Rock dans un groupe et vit ses premières aventures dans Métal Hurlant. Il porte la panoplie traditionnelle des rockers éternels : jean, santiags et perfecto. La comparaison s’arrête là. Car si on voit Lucien et ses potes, à leurs débuts, chouraver une mobylette ou se castagner de temps à autre, ils vont vite s’assagir pour devenir des rockers sympathiques, de bons p’tits gars dans le fond.
Kebra et sa bande sont eux de vraies racailles rock’n roll. D’authentiques outlaws qui rackettent les bourgeois, braquent des bureaux de poste et s’attaquent même au Père Noël. De vrais, affreux, sales et méchants, sans aucune morale, que seule surpasse dans la voyouterie la redoutable bande à Kruel. Heureusement que ce dernier existe d’ailleurs car en faisant de Kebra son souffre-douleur il contribue largement à le rendre un tant soit peu sympathique.
Kebra sévit dans une banlieue cradingue, aux immeubles décrépis, aux rues défoncées et jonchées d’immondices. Les auteurs ont choisi de dépeindre la zone dans ses aspects les plus glauques, une jungle où seuls les bad boys arrivent à survivre. Et qui dit jungle dit faune. Le graphisme animalier permet d’affubler les personnages des trognes carnassières, loups, crocos, serpents, rapaces et bien sûrs rats avec Kebra, le héros au regard noir qui lui donne cet air de dément shooté aux amphétamines.
Ajoutés à cela des dialogues fleuris qui pourraient utilement figurer dans un manuel d’argot et de verlan, Kebra ferait presque figure de documentaire sur la banlieue s’il n’y avait cet humour noir et ces récits atomisés où le héros se retrouve dans les situations les plus improbables avec de temps à autres une escapade vers la science-fiction.
Accessoirement, Kebra est chanteur et guitariste du groupe Les Radiations. Du rock graisseux, mâtiné de rock’n roll et de punk, saturé à souhait qui fait assez penser aux Ramones. Et puis il y a ces textes, énormes, dont on regrette qu’il n’aient pas été enregistrés pour de vrai. Mention spéciale pour « Le Rock’n roll me colle aux grolles », véritable manifeste drôlatique de rock premier degré.
Kebra accomplira ses méfaits jusqu’en 1985. Malgré cette courte existence, il aura eu le temps de devenir l’une des références absolues de la BD Rock.
L’interview de Jano, c’est ici
Not Quite Dead
Dessins : Gilbert SHELTON – Textes : PIC
Déjà, rien qu’avec un nom de groupe comme ça, « Pas tout à fait mort » en français dans le texte, on est d’emblée dans l’ambiance. Et en effet, on se demande encore comment un tel groupe a pu voir le jour, donner des concerts et même enregistrer des disques. La magie du rock’n roll sans doute et accessoirement le talent d’un vieux briscard de la BD underground américaine, installé en France depuis 1981, Mister Gilbert Shelton, géniteur des inénarrables et définitivement fabuleux « Freak Brothers » qui ont fait les beaux jours du magazine Zap Comix.
Ces derniers s’étaient affirmés comme les chantres en BD du mouvement hippie dans les années 1970. Leurs cousins de « Not Quite Dead » prolongent le combat sur la scène d’un Rock indépendant que l’on devine vaguement Punk, mâtiné de Funk, peut-être Ska si l’on devait absolument leur coller une étiquette (rapport à la touche très « Specials » du mec officiant aux claviers).
En fait, on s’en tape complètement car le seul qualificatif qui puisse vraiment les définir est bien celui de losers, pas forcément magnifiques mais irrésistibles de drôlerie. Leurs looks, assortis comme une parade de carnaval, offrent un aperçu de tout ce que le Rock a pu produire en matière de sapes et de coupe de douilles, à commencer par le leader, Cat Whittington, bassiste et chanteur dont le crâne s’orne d’une sorte de banane à ressort tout aussi improbable que sa basse à corde unique. Les noms des personnages sont à l’avenant, tels Elephant Fingers, le guitariste, Felonious Punk, le claviériste taciturne, Thor, le batteur obèse et décérébré ou Charlie Baston, le roadie tout aussi dévoué que maladroit.
Mais attention, les « Not Quite Dead » sont des professionnels coachés par une manageuse, sexy comme un tiroir-caisse qui parvient à leur dégotter des concerts, parfois sur de grandes scènes (du moins par la taille) et même des enregistrements en studio.
Cat et sa bande ne sont pas pour autant des génies. Leur manque de culture musicale est d’ailleurs revendiqué et sert d’argument à plusieurs gags. Mais leur énergie et leur feeling sont communicatifs et leur fidélité à la cause du Rock irréprochable.
Alternant des gags en une planche et des histoires en plusieurs pages, les aventures de « Not Quite Dead », plus loufoques les unes que les autres, passent en revue tous les gimmicks du Rock, mais derrière le burlesque des situations, se révèle une vraie connaissance du quotidien d’un groupe, Shelton étant lui même pianiste et chanteur, ce qui ne donne que plus de relief à ces caricatures réjouissantes.
La destruction d’un studio d’enregistrement, un concert pour un gala de soutien d’un parti politique ou des expérimentations sonores en tout genre sont quelques-uns des morceaux de bravoure que propose cette anthologie du dérisoire rock’n clownesque, à lire absolument pour être sûr de ne pas tout à fait mourir idiot.
© Editions L’àpart 2011
Les identités remarquables
Dessins et textes : Benoît BARALE
Ça commence souvent comme ça. Dans une chambre d’adolescent, avec une guitare et l’envie de crier, de provoquer, de prouver qu’on existe et que l’on a son mot à dire dans ce grand merdier auquel on ne comprend pas grand-chose.
Ah, faire du Rock, le gros challenge, quand on maîtrise tout juste son instrument et qu’on ne sait pas trop quoi mettre dans ses textes, à part sa fougue et sa libido de teenager, avec comme handicap supplémentaire d’être né du mauvais côté de la Manche et de l’Atlantique, spécialement quand on s’obstine à chanter en anglais. A peine plus pénalisant que d’être des filles.
Tania et Virginie forment un duo parfait de rockeuses en herbe, les Dead Pussies (cool !) dans la France de la fin des années 1980. Cure avait le maquillage en poupe, écouter Etienne Daho était encore branché, le Rock alternatif envahissait les scènes de l’Hexagone lequel découvrait l’esprit Punk avec quelques années de retard sur les Britons, comme d’habitude, mais c’était bon, frais, sans concessions. Un petit âge d’or dont il ne reste plus aujourd’hui que quelques miettes en activité, tel Didier Wampas.
Ces filles veulent composer leurs morceaux, enregistrer une maquette, faire un premier concert, devenir des déesses du Rock. Certes leur vocabulaire tant linguistique que musical les oblige à copier plus ou moins leurs idoles, comme la plupart des groupes débutants. Ca braille, ça picole, ça fume, ça s’amourache, ça vomit, ça se plante et ça repart, bref, ça s’épanouit.
Benoît Barale dépeint avec une justesse de ton épatante les doutes et les excès de ces deux adolescentes branchées. Pas de pathos ou de couplet nostalgique d’un jeune quadra sur une époque bénie et révolue. Juste une reconstitution fidèle, teintée d’humour et d’ironie. Les références musicales sont nombreuses et balisent bien le terrain en apportant encore un peu plus de crédibilité à l’intrigue.
Le récit ne commence pas sur un début fondateur et ne s’achève pas sur un dénouement bien tourné. Il montre simplement une tranche de vie de ces deux ados, comme un instantané photographique, dont on restera libre d’imaginer la suite.
Si ces identités là sont remarquables, c’est bien parce qu’elles démontrent parfaitement le théorème de la jeunesse Rock de cette époque dans une France qui dort encore « d’un sommeil profond et léthargique », à peine troublé par les rumeurs électriques de cette myriade de groupes sublimes et éphémères.
Love is in the Air Guitare
Dessins : Romain RONZEAU – Textes : Yann LE QUELLEC
Que se gausse le fan de Rock qui n’a pas une seule fois dans sa vie, ne serait-ce qu’esquisser la mimique consistant à agiter compulsivement les doigts de sa main gauche tout en imprimant à la main droite (ceci est une chronique pour droitiers mais les gauchers peuvent inverser) un mouvement saccadé de haut en bas (et en aller-retour pour les plus dextres).
D’abord, on aura bien du mal à le croire et, pire, il jettera ainsi un doute quasi irréfragable (j’ai fait Droit, ça laisse des traces) sur la sincérité de son penchant pour cette musique électrique soi-disant chère à ses esgourdes.
Quand Jimi (celui qui vient de crier « dit What I say » sort immédiatement !) Pete, Ritchie, Jimmy (y’a un piège), Angus, Johnny (l’Albinos texan, pas le Belge défiscalisé,) Keith, Carlos et consorts empoignent leur manche (désolé…) pour nous asséner un riff assassin ou un solo incandescent dont ils ont le secret, la réaction chimique produite sur nos cerveaux disponibles incite à joindre nos gestes à leurs ondes électriques.
Bien que le ridicule de cette démonstration d’extase musicale nous conduise à 
en réserver la primeur à notre miroir ou à nos relations très proches, certains de nos congénères n’hésitent pas à reproduire ces mimiques en public et ont fait de cette pratique une véritable discipline artistique nommée Air Guitare, avec ses compétitions officielles et ses stars, du moins dans le milieu.
Restait à mettre ces ingrédients dans une bonne fiction, et pourquoi pas dessinée tant qu’on y est. Entre sous-genres, on se comprend ! Love is in the Air Guitare utilise toute l’imagerie et les ingrédients disponibles sur le marché pour bâtir un récit digne d’intérêt.
Tout part, comme souvent, d’une Love Story compliquée dans laquelle se fourvoie Paul, bachelier récemment diplômé qui n’a d’yeux que pour Julie, sa belle voisine méprisante. Forcément, quand il découvre que sa dulcinée copule avec Keith, un bellâtre rocker et guitariste, son petit monde bascule et il décide de plaquer, avant même de l’avoir débutée, une mirifique carrière de comptable.
Pour attirer l’attention de l’élue de son cœur, Paul rejoint la Air Family, une académie de Air Guitaristes dirigée par Ernest, gourou philanthrope qui rêve de voir un de ses poulains conquérir le titre de champion du monde d’Air Guitare. Le jeune homme n’est peut-être pas le plus doué mais il a la chance d’avoir un certain Jimi à ses côtés…
Paul va-t-il être désigné par Ernest pour représenter la Air Family à Oulu (en Finlande), où se déroule le prochain championnat ? Va-t-il conquérir le cœur de Julie ? Va-t-il permettre à la Air Family de mettre un terme à la suprématie de la Hair Family (des pseudo-bikers pas gentils) et remporter le titre mondial ? 
A partir de cet argument, le récit illustre une bonne partie des codes de cette culture iconoclaste qui détourne le côté factice et poseur du Rock et en restitue parfaitement l’énergie et la folie, entre gesticulations primales et chorégraphie improvisée.
Évidemment, la candeur de l’intrigue amoureuse et du héros, tout à fait raccord avec le graphisme, peuvent prêter à sourire. Mais comme dans toute bonne histoire, ce n’est pas le but qui compte mais le chemin et celui-ci, dense et sinueux, est pavé (pas loin de 300 pages) de bonnes intentions, de personnages hauts en couleurs, d’humour, de passion et même d’un brin de poésie, conférant à cet instrument virtuel une existence tangible. Au bout du compte, on ne peut que rester admiratif de ces hurluberlus qui osent vivre leur délire sans entraves et montent sur scène pour le faire partager. Une fraîcheur toute « aérienne », et pour certains un vrai sens du spectacle, dont nombre de « vrais » rockers feraient bien de s’inspirer.
Tout ça pour dire que l’Air Guitare a désormais son manifeste en bandes dessinées.
MetaL ManiaX 2
Tremblez, braves gens, les Métalleux sont de retour ! Le temps d’écluser quelques fûts et les voilà déjà de nouveau dans les bacs des meilleurs libraires (en tout cas du mien !). Et c’est avec une joie éructante que l’on retrouve les tribulations burlesques de ces allumés du gros son. Inutile de perdre son temps en fioritures, mettons les potards à fond et allons droit au but : ce second opus est largement aussi bon que le premier, ce qui n’est pas rien quand on sait la difficulté de confirmer la réussite d’un premier album.
Tous les ingrédients qui font le charme poétique du premier tome sont là, décibels, rôts, tatouages, humour trash et références musicales. Mais les situations grivoises sont bien plus présentes qu’avant. Peut-être le printemps… en tout cas, y’a du torride et du grivois ! Et ce n’est pas le fait de Marco, le Blackeux priapique mais de Spike, le roi du pogo qui découvre une blondinette dominatrice avec qui il file le grand amour. Entre deux pintes et deux morceaux de Death, même Vince s’y met aussi.
Slo et Fef ont pris le soin d’étoffer leurs six protagonistes en leur donnant un peu plus de vécu et en exploitant certaines situations échafaudées dans le premier tome. Les quelques nouveaux personnages (la meuf de Spike, les co-locs de Sam…) enrichissent vraiment l’univers.
Parmi les innovations, on notera aussi quelques gags en trois planches, exercice périlleux et exigeant dont les auteurs se tirent haut la main.
Tout ça donne un cocktail d’humour électrique, saturé d’acides gras et de décibels, jouissif à souhait dont il faut impérativement se repaitre sans plus tarder les mirettes.
Vivement le troisième et vive le lait-fraise !
Pour les non-initiés : la chronique du premier album
Le Journal
Dessins et textes : Serge CLERC
Impossible de parler BD Rock en France sans évoquer Métal Hurlant. L’apport de ce magazine créé en 1975 par Jean-Pierre Dionnet, Philippe Druillet, Moebius et Bernard Farkas a été déterminant dans l’émergence du Rock sur les planches. Une épopée qui a mis un coup de pied au cul de la BD en mettant sur le devant de la scène deux sous-genres méprisés par l’intelligentsia : la Science-Fiction et le Rock, qui plus est dans un magazine de Bandes Dessinées… le comble du mauvais goût pour une sous-sous culture dont ce nouvel avatar avait comme tare subsidiaire de s’inspirer de l’underground américain.
Après l’émergence de cette nouvelle vague, la BD ne sera plus jamais la même. Parmi les auteurs qui allaient mettre de l’électricité dans leurs dessins, un trio se détache. Frank Margerin (Lucien), Dodo-Ben Radis (Les Closh) et Tramber-Jano (Kebra). Plus Serge Clerc, un quatrième mousquetaire, qui avait pour point commun avec son illustre prédécesseur dumassien (ça doit pas se dire, donc je le garde) d’être le plus jeune de la bande, un fanzineux de 17 ans qui envoie ses planches à Dionnet, un peu comme il les aurait montrées à son grand-frère. Sauf que Dionnet est à l’affut de nouveaux talents, même en devenir et qu’il repère immédiatement le potentiel du jeune Lyonnais. Il le fait venir à Paris, le bac pas encore en poche (que Clerc n’aura d’ailleurs jamais). Serge Clerc a ainsi vécu en tant qu’auteur, acteur et spectateur tous les chapitres de ce Journal de bandes dessinés pas comme les autres.
Le Journal n’est pas vraiment un biopic mais plutôt une chronique mêlant autobiographie et allégorie. Avec pas moins de 232 planches, l’œuvre est dense, touffue, limite bordélique par moments, l’auteur se souciant peu de précision historique et de rigueur narrative, émaillant son récit d’une foultitude de références graphiques de l’époque, notamment des couvertures d’albums et de magazines de BD, Métal Hurlant au premier chef. Le tout forme un maelstrom d’images qui était sans doute l’un des parti pris les plus appropriés pour restituer l’aventure un peu démente de Métal Hurlant.
Une folie à l’image de son rédacteur en chef, Jean-Pierre Dionnet, auquel Serge Clerc rend un hommage vibrant, sismique même. Un allumé de première, érudit et passionné, qualités qui compensent largement ses carences en matière de gestion et de comptabilité et ont permis, malgré les embuches innombrables, juridiques entre autres (le fameux classement « réservé aux adultes » qui a handicapé le magazine tout autant qu’il a contribué à sa réputation) de faire durer l’aventure pendant une dizaine d’années.
Deux autres personnes sont particulièrement mises à l’honneur dans Le Journal. Philippe Manœuvre d’abord, scénariste attitré de Serge Clerc et mentor de ce dernier en matière de Rock. Et puis Yves Chaland, talent précoce tout comme lui, dessinateur génial et visionnaire qui va avoir une influence déterminante dans l’évolution de son graphisme en l’emmenant vers la ligne claire.
Pour un mec de 17 ans, fan de Rock et de BD, débarquant à Paris avec pour seuls bagages son insouciance et son enthousiasme, devenir un pilier de Métal Hurlant en pleine explosion Punk était une expérience hors du commun. Serge Clerc projette dans ces dessins un brin de nostalgie et beaucoup d’auto-dérision pour évoquer ses doutes graphiques et ses déboires amoureux. Crobardeur effréné à la recherche de son style, il a trouvé grâce au Journal la concrétisation de ces innombrables heures de recherche.
Alors bien sûr, ce patchwork baroque pourra en décontenancer certains et Le Journal n’est pas forcément la porte d’entrée la plus évidente pour bien comprendre l’histoire de Métal Hurlant (pour ça, la lecture de l’ouvrage Métal Hurlant, la machine à rêver de Gilles Poussin et Christian Marmonnier est tout indiqué).
Mais l’originalité de la démarche de Serge Clerc est tout à fait adaptée à l’esprit de Métal Hurlant, rock’n Roll et sans tabous. Dionnet, Manœuvre, Clerc, Margerin et toute la bande ont fait plus que capter l’air du temps, ils l’ont insufflé et mis en images. Rien que ça…
L’interview de Serge Clerc, c’est ici
Twist and Shout
Tout le monde sait pertinemment qu’Elvis Presley n’est pas mort le 16 août 1977. Si le mélange antidépresseurs et sandwich banane-beurre de cacahuète était dangereux pour la santé, ça se saurait. Là où ça se corse, c’est de savoir ce qui lui est réellement arrivé après. Les rumeurs les plus loufoques circulent sur la retraite du King. De nombreuses théories fumeuses ont également été avancées quant à l’existence d’un sosie qui aurait remplacé Elvis à sa mort ou même de son vivant.
Il faut remercier Jürg de lever définitivement le voile en développant la thèse à ce jour la plus crédible en s’appuyant sur des sources et une recherche documentaire des plus rigoureuses…
En lisant Twist and Shout, vous saurez définitivement que :
– Non, Elvis n’est pas mort le 16 août 1977
– Oui, Elvis avait un sosie et c’est lui qui est mort à la dite date
– Elvis a une résidence secondaire à Charleroi, en Belgique
– Elvis a fait de la tôle dans la ville susdite sous le nom de Vanzoutegaime
– Elvis aime le Death Metal
Jürg a hérité de ses gènes belges un goût pour l’humour surréaliste et le talent pour le dessin bien léché dont le dynamisme pourrait servir d’exemple à la thèse controversée sur l’existence d’un graphisme Rock, indépendamment du sujet traité. A lire : Noces de Chien ou Tête de Nègre, pour s’en convaincre. L’homme réalise par ailleurs de superbes portraits de Rockers célèbres (à voir entre autres sur sa page Facebook) où la caricature le dispute à l’hommage.
Il crée ici un Elvis comme on l’aime, gros bourrin d’Amerloque, boudiné, accro et caractériel. Ces petits défauts anecdotiques ne l’empêchent pas d’être toujours animé par la flamme du Rock’n Roll et depuis sa cellule, il va tenter de relancer sa carrière.
La caricature est grosse et l’intrigue est grasse comme un bon vrai hot-dog (you ain’t nothing but a…) des familles, dégoulinant de ketchup et de moutarde mais la précision du trait et l’humour caustique de Jürg en font un délicieux en-cas comique que l’on déguste en gourmet.
Derniers Rappels
Dessins et textes : Alex ROBINSON
Le statut de Rock Star, s’il peut paraître enviable au commun des mortels, comporte certains inconvénients dont la solitude et un certain mal de vivre ne sont pas les moindres. Alex Robinson, bien connu de nos services depuis le prix du meilleur premier album obtenu à Angoulême en 2005 avec De mal en pis, pavé graphique qu’il jetait dans la mare de la nouvelle BD (américaine celle-ci) en livre ici une magistrale illustration.
En tant que leader prolifique du groupe The Tricks, Ray Beam a connu un succès aussi soudain que phénoménal, lui conférant pour un petit bout d’éternité, une aura médiatique et un compte en banque plus que confortables. Mais depuis le split du groupe, Ray se cherche et le plus souvent se perd dans une existence morne de nouveau riche. Soirées branchées, groupies décérébrées (pléonasme ?) et plus si affinités, ne parviennent pas à combler le trou béant creusé par une panne totale d’inspiration qui l’empêche d’écrire l’album solo qui relancerait sa carrière.
C’est alors que Lily rentre au service de Ray dans un rôle de secrétaire multitâches. Sauf que derrière ses apparences de jeune femme simple, discrète et réservée, Lily ne manque pas de caractère, de psychologie et surtout d’empathie, et plus si affinités, toutes choses auxquelles la petite cour qui gravite autour de Ray ne l’avait pas habitué.
Au départ bien éloignés de la tour d’ivoire de Ray Beam, apparaissent d’autres personnages, emblématiques de cette middle-class qui essaie tant bien que mal de tirer son épingle du jeu de société grandeur nature de la grande ville américaine, tels que Phoebe, jeune provinciale à la recherche de son père, Nick, vendeur pas très honnête dans une petite boutique de collectors de sport, Caprice, sentimentale complexée par ses rondeurs… et Steve, informaticien névrosé, déprimé et singulièrement obsédé par Ray Beam dont il connait la carrière par cœur. Son déséquilibre mental grandissant va s’avérer le détonateur de l’intrigue.
Chaque portrait de cette galerie, à laquelle il faut rajouter celui de Marty, l’impavide manager de Ray, est une totale réussite. Robinson leur donne une vraie consistance psychologique, authentique et passionnante, servie par un graphisme sobre et expressif.
Mais c’est surtout dans le procédé narratif que Derniers Rappels prend toute sa saveur. Tous ces destins suivent des trajectoires parallèles, que rien ne semble prédisposer à se croiser… jusqu’au dénouement où Robinson glisse au passage un clin-d’œil à John Lennon.
Derniers Rappels offre au Rock dans la Bande Dessinée, même s’il ne constitue qu’un ingrédient de l’histoire, un nouveau terrain d’expression, celui du roman graphique et de la chronique sociale… et plus si affinités.
Love Song
Dessins et textes : CHRISTOPHER
Si l’on met entre parenthèses son côté provocateur et rebelle, le Rock, au départ, ça se résumait essentiellement à des mecs aux cheveux longs qui utilisaient des instruments amplifiés pour expliquer à d’adorables jeunes filles en fleurs (et en pleurs à leurs concerts) tout le bien qu’ils promettaient de leur faire.
Christopher est un fin connaisseur de Rock et de Pop anglaise. Dans Les Colocataires, une autre série de BD dont il a assuré le dessin, il avait déjà intégré dans ses remerciements en préface de chaque tome une liste particulièrement fournie de ses goûts en la matière.
Avec Love Song, il met sa passion au service de son art en utilisant quatre des plus grands noms du Rock anglais comme trame sonore afin d’illustrer chaque album de cette chronique de quatre hommes, confrontés à un cap de la trentaine qui entrevoit déjà les rivages de la quarantaine.
Manu, Sam, Boulette et Greg sont les héros de cette chronique sentimentale dont ils occuperont tour à tour le devant de la scène au travers de l’album qui leur est consacré. Et bien sûr, ils jouent dans un groupe de Rock, créé du temps de leur jeunesse et dont ils continuent à entretenir la flamme, par habitude autant que par nécessité vitale, un exutoire qui leur fait oublier le temps d’une répète ou d’une fête de la Musique, un quotidien qu’ils avaient rêvé un peu moins ordinaire.
Cette partition qui fait s’entrecroiser ces destins si particuliers malgré le lien musical qui semble les unir aborde avec beaucoup de sensibilité et sans fausse pudeur le thème de l’adultère. Evidemment, les rockers n’ont pas vraiment la réputation d’être fidèles mais le propos n’a ici rien de caricatural. Au contraire, la psychologie des personnages, la justesse des situations (avec un rebondissement garanti à la fin de chaque tome) font de Love Song un portrait tout en finesse du couple du 21è siècle en milieu urbain.
Le Rock, s’il n’est pas le thème central de cette tétralogie, en constitue l’ingrédient majeur, la toile de fond, le fil rouge, le révélateur. A commencer par la couverture de chaque album parodiant avec bonheur la pochette de rien moins que Rubber Soul, After Math, The Kinks Are The Village Green Preservation Society et My Generation dont il ne sera pas fait l’injure au lecteur de rappeler quels groupes ont pondu ces chefs-d’oeuvre des Sixties.
Adoptant un ton ainsi qu’un graphisme résolument dans l’air du temps, Christopher bâtit une de ces oeuvres qui démontrent que le Rock et la BD sont définitivement entrés dans l’âge adulte sans rien perdre de leur vitalité ni de leur modernité.
L’interview de Christopher, c’est ici
Like a Steak Machine
L’autobiographie est devenue à la mode ces dernières années dans le monde de la Bande Dessinée. Les auteurs s’y sont mis soit pour montrer qu’ils étaient de vrais artistes avec de vraies choses à dire, soit pour se marrer et faire marrer les autres en maniant l’autodérision comme argument comique, dans des suites de gags. Cela a donné de franches réussites telles The Autobiography of Me too de Bouzard ou Le retour à la Terre de Larcenet et Ferri. 
Fabcaro s’est inscrit dans cette veine et dans Like a Steak machine, il y ajoute un ingrédient à la fois fil rouge et madeleine : les chansons qui ont bercé ses jeunes années adolescentes et adultes.
Pour chaque chanson, une anecdote tirée de la jeunesse de Fabcaro dont elle est à l’origine ou constitue la trame sonore.
Le procédé est original et le choix des chansons judicieux. Facile, quand on est un vrai fan de musique, on n’a que l’embarras du choix. Je ne sais plus qui a dit « l’autodérision est une forme de lâcheté ». Fabcaro lui ne manque pas de courage car parmi les chansons qui ont constitué la bande-son de sa jeunesse, il y a quelques titres peu glorieux, peu avouables, pour lesquels il ose confesser sans pudeur le coupable penchant. Goldman, Rick Astley ou Elsa, excusez du peu. Mais il faut croire qu’il faut bouffer de la merde pour vraiment apprécier la gastronomie, car en grande majorité, la compilation est digne de respect.
Like a Steak Machine est donc un véritable florilège de la loose adolescente, une chouette compilation de grands tubes Rock et aussi une restitution fidèle des us et coutumes de la population lycéenne mâle des années 1980. 
On se bidonne franchement à lire les déboires et déconvenues du héros et ses grands moments de solitude dont il faut bien s’avouer que l’on a connu les mêmes à peu de choses près. On essayait d’être des héros, d’avoir l’air marginal, rebelle, branché, spirituel, exceptionnel alors qu’on était surtout dans le meilleur des cas passionné et maladroit et le plus souvent con et branleur et c’est pour ça qu’on écoutait du Rock, parce qu’on pensait y trouver des justifications à toutes les conneries qu’on pouvait dire ou faire et que ça nous donnait la sensation d’être immortels comme les idoles qui nous envoyaient leurs décibels entre les deux oreilles. Et c’est aussi pour ça qu’on en écoute encore, parce qu’aucune autre musique n’offrira un meilleur réceptacle à nos pulsions sublimes et dérisoires.