Archives de l’auteur : Bruno RIVAL

Le ferry

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Dessins : Thierry BOUÜAERT – Textes : Xavier BÉTAUCOURT

Doit-on nécessairement être égoïste pour être un grand artiste ? Vous avez 4 heures. Perso, ça me prendra moins longtemps même si je ne crois pas que je répondrai à la question.

Les musiciens amateurs le savent. Passés l’émoi des premières répètes et la découverte de cette sensation unique de ne faire qu’un en massacrant les standards de ses idoles, les rêves des groupes débutants deviennent plus grands. Pour peu que ça applaudisse un peu fort lors des premiers gigs dans les troquets qui ont bien voulu les programmer, les apprentis rockstars sentent le melon gonfler. Mais vient rapidement l’heure fatidique de se frotter à la création de chansons. Seuls les plus forts y survivent, pas toujours les plus talentueux. Une fois le tri effectué et la composition du groupe stabilisée, le plus dur commence et surtout la question fatidique : la musique, simple hobby en attendant que jeunesse se passe, ou bien véritable projet de vie ? Une vie de galère, d’incessantes remises en questions, d’échecs et de précarité économique avec au bout du tunnel la faible lueur d’espoir de devenir musicien professionnel, sans parler d’un hypothétique et souvent éphémère succès. Le jeu en vaut-il la chandelle ?

Pour Max, il n’y a aucun doute et aucune hésitation, la réponse est oui, quoi qu’il en coûte et pas de plan B. « Le ferry » nous raconte son histoire, celle d’un choix sans appel. Il veut percer dans la musique, celle du Rock des années 1980, quand dominait la New-Wave et le Post-Punk. Avec un constat implacable, ce n’est pas à Roubaix que ça se passe (pas plus que dans le reste de la France, Paris inclus). Mais au moins à Roubaix, on n’est pas loin du ferry, le pont vers la terre promise, l’Angleterre. Alors Max est parti, il y a 6 mois. Pas de nouvelles depuis. Le récit débute dans une chambre d’hôpital où Rose est entourée des anciens membres du groupe dont Max était le bassiste. Rose, que Max a quittée en lui promettant de venir la chercher puisqu’elle n’a pas voulu le suivre. Son rêve n’appartient qu’à lui. On la devine très fatiguée et on a immédiatement envie d’en savoir plus.

L’intrigue, dans une série de flash-backs soigneusement agencés, nous fait découvrir le passé de Max et de ses potes, semblable à tant d’adolescent des 80’s, biberonnés aux Hard-Rock des années 1970 puis foudroyés par l’arrivée du Punk, résumée dans une superbe scène sur la première écoute de l’album des Sex Pistols. Rite initiatique où on a l’impression que notre vie n’avait aucun sens avant que ne déboule dans les enceintes et nous pénètre droit dans le cerveau et au cœur, ces riffs de guitare qui nous changeront à tout jamais.

Jouer dans un groupe était une évidence pour Max mais il ne compte pas s’arrêter au premier 45 tours de son groupe, les Sticks. Alors qu’il s’agit juste d’une étape pour lui, c’est le Graal pour ses camarades, un aboutissement sans lendemain. Parce qu’il faut bien bouffer, bosser… bref, survivre. Dès lors, la messe est dite, Max va partir.

Au fil de la narration, la personnalité de Max et de ses acolytes se dévoile. Et l’on découvre que derrière le visage perclus de fatigue sur son lit d’hôpital, Rose est une femme forte et intelligente. Quant à Max, sa détermination sans faille est remarquable, et que l’on admette ou non son choix, on ne peut qu’en saluer la cohérence. Il n’est ni attachant, ni héroïque, ni même sympathique mais il est authentique et emblématique de ce qui distingue les vrais artistes des autres.

Réunis dans cette chambre d’hôpital autour de Rose, les amis de Max s’inquiètent pour elle, ressassent le passé, et gambergent sur ce qu’est devenu leur ami. Mais certains en savent peut-être plus que les autres…

Servi par un dessin très expressif et personnel (oserait-on parler de dessin Punk?), « Le ferry » est une évocation immersive de la jeunesse des années 1980, de ses aspirations et de ses doutes dans le contexte politico-social et dans le paysage musical de cette époque (de nombreuses références jalonnent l’album et sont énumérées en post-face), ainsi que des émotions que peut provoquer le Rock sur les âmes corruptibles des adolescents.

Voilà, je n’ai pas donc pas répondu à la question introductive mais j’ai lu un excellent album de BD Rock, et très égoïstement, ça me suffit amplement.

Murder Falcon

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Dessins et textes : Daniel Warren JOHNSON

Dans le genre « Plus c’est gros, plus ça passe », « Murder Falcon » s’affirme comme une référence absolue. Qu’il s’agisse du postulat, de l’intrigue, du graphisme ou des références musicales, Daniel Warren Johnson a décidé de ne pas faire dans la dentelle. On est sur du très lourd.

Déjà, le pitch : Comme d’habitude, la terre (au hasard les USA) et l’humanité vont être envahies par une entité maléfique venue d’un autre monde, nommée Magnum Khaos. La méchante bébête envoie une armada de créatures monstrueuses tout droit sorties d’une version trash de l’enfer de Jérôme Bosch. Pour combattre et vaincre ces aberrations, un seule arme : Une musique qui déchire et explose les tympans, et donc le Métal, sous toutes ses formes.

C’est ce que va découvrir Jake, le guitariste virtuose du groupe Brooticus, tombé en pleine dépression et devenu incapable de pondre le moindre riff. Jusqu’au jour où un faucon badass, taillé comme un Rambo à plumes, avec bandana et bras biomécanique, transforme sa guitare. Après ça, tout est simple, Jake se déchaîne sur son manche et l’énergie produite par sa musique est transmise à Murder Falcon qui se débarrasse des gros monstres aussi rapidement qu’un solo de Power Metal.

Mais la horde des envahisseurs semble infinie et Jake va devoir reformer son groupe avec Johann à la basse et Jimi (une fille) à la batterie, dont le premier active le pouvoir d’un gigantesque mammouth et la seconde celui d’un serpent de mer. Au fil de leur lutte, qui leur fait sillonner le monde et s’aventurer dans des sites cryptiques et ignorés des hommes, comme dans une nouvelle de Lovecraft, d’autres musiciens combattants les rejoindront, comme un chanteur de Black Metal ou même l’orchestre philharmonique de Tokyo. On vous aura prévenu, ça va charcler dans tous les sens, dans des scènes de bataille telluriques dignes d’un bon vieux Godzilla, parfois en pleine plage et dans une explosion de couleurs flashy.

Dans tout ce vacarme de bruit, de fureur et de destruction, Johnson prend quand même le temps de peaufiner juste ce qu’il faut la psychologie de ses personnages principaux qui ne se réduisent pas à de simples zicos bas du front. Le dessin particulièrement dynamique, très lâché mais parfaitement maîtrisé, et la mise en couleurs foisonnante privilégient l’efficacité à la perfection graphique, parfois un peu figée des Comics. Le graphisme sert ainsi parfaitement l’histoire et l’ambiance musicale.

Les amateurs de Métal apprécieront les nombreuses références au genre parsemées tout au long de l’album. L’auteur connaît très bien le sujet et il joue de la guitare depuis ses onze ans. Il a mis ici sa passion pour la musique puissante et saturée au service de son récit. Avec en bonus la revisite dans la partie Artwork de pochettes d’albums et de groupes culte du Métal en y intégrant les personnages du livre, ce qui confirme ses excellent goûts musicaux. Depuis Perkeros, les métalleux n’avaient pas eu une aussi bonne fiction de BD originale à se mettre devant les yeux. « Murder Falcon » est désormais le dernier en date.

Rock’nRoll – Salauds de Baby-Boomers

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Dessins et textes : BARU

La grande histoire du Rock est jalonnée d’instants décisifs, des concerts légendaires, des albums mythiques et aussi, un peu trop souvent des morts tragiques et parfois stupides. Perso, j’affectionne ces anecdotes, souvent sans importance mais qui ont pu parfois contribué à façonner la carrière d’un groupe ou d’un artiste. Il y aurait de quoi écrire une anthologie mais là n’est pas le propos. Car au fond, que serait l’histoire du Rock sans un élément essentiel, incontournable : le public qui remplit les salles, achète les disques (ou désormais accumule les streams) et accessoirement le compte en banque de ses idoles ?

Le Rock sous toutes ses formes constitue la bande-son de la vie de millions de fans, parfois de façon omniprésente, voire obsessionnelle. Il en est pour qui il est inconcevable de passer une seule journée sans écouter cette musique divine et apaisante, même quand elle crache un flot des décibels saturés. Je suis de ceux-là et, très modestement, ça me fait un point commun avec Baru, vétéran de la BD (grand prix d’Angoulême 2010), qui n’a jamais renié sa passion indéfectible pour le Rock’n’Roll, qu’il a déjà mise en images dans des albums comme « Quéquette Blues », « Sur la route encore », « The Four Roses » (au scénario avec Jano au dessin) ou « Fais péter les basses, Bruno ! » (hé, hé…).

Dans « Rock’n’Roll », il évoque quelques moments et souvenirs, vécus par lui ou certaines de ses connaissances et qu’il a librement réinterprétées. Des tranches de vie qui ont marqué à jamais leurs protagonistes. La découverte improbable de Jimi Hendrix, à la salle des fêtes de Villerupt en Lorraine ; la rivalité entre Mods et Rockers en Angleterre, dans les années 1960 (immortalisée par les Who dans « Quadrophenia ») ; une histoire loufoque mais véridique de poules libanaises sur fond de Rolling Stones ; un rendez-vous manqué avec ces derniers…

Avec son talent de conteur, Baru donne vie à ces anecdotes sublimes et dérisoires, où se mêlent musique, chronique sociale, et un brin de nostalgie mais sans être larmoyant, grâce à l’humour dont il parsème habituellement ses récits. S’il ne fallait choisir qu’un seul adjectif pour qualifier son travail, ce serait assurément « authentique », tant ses personnages et ses intrigues transpirent le vécu, même recomposé, dans cet album, à l’instar de toute son œuvre.

Comme toujours, son graphisme unique, dépouillé et percutant, Baru étant l’un des dessinateurs les plus originaux du neuvième art, colle parfaitement à l’ambiance de chaque histoire, alternant noir et blanc vintage et superbes couleurs vives.

« Rock’n’Roll » est l’œuvre d’un amoureux du Rock de la grande époque, années 60 et 70 (le sous-titre ne laisse aucun doute là-dessus) qui dresse quelques portraits et relate quelques moments inoubliables, comme tout amateur de binaire primaire aura toujours à en raconter. Ainsi nous pouvons, nous aussi, même si c’est par la petite porte, entrer dans la grande histoire du Rock.

Olivier MARTIN – Croque and Roll Live !

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Vous aimez le Rock ? Il aime le Rock (beaucoup).

Vous allez voir des concerts ? Il va voir des concerts (beaucoup).

Vous y buvez de la bière ? Il y boit de la bière (beaucoup ?).

Alors, qu’est-ce qui nous distingue fondamentalement, nous fans de Rock lambdas, d’Olivier Martin, dessinateur de BD talentueux et chevronné (presque 30 ans de carrière). Eh bien, pendant que nous assistons tranquillement au concert ou que nous plongeons comme des guerriers vikings dans de furieux pogos ou de périlleux slams, Olivier, lui, crobarde, les deux pieds bien campés dans la fosse tandis que ses mains s’agitent frénétiquement sur son carnet de croquis pour immortaliser les héros du binaire primaire s’échinant sur la scène.

Olivier nous a fait l’amitié de répondre à nos questions dans un entretien vraiment passionnant lors de l’émission La Case de Seb, sur Radio G, le 23 mars 2026. Pour mieux connaître le parcours de cet auteur BD, passionné de Rock, et de musique en général, et découvrir cet exercice atypique consistant à dessiner pendant les concerts, cliquez sur la petite flèche ci-dessous et plongez dans l’univers haut en couleurs (et en décibels) du croquis de concert.

Les croquis pris sur le vif par Olivier Martin, ainsi que ceux de son complice Nicolas Barberon, sont à consommer sans modération sur leur site Croque and Roll Live.

Bonus Track : Anne-Caroline PANDOLFO et Terkel RISBJERG

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A propos de On était des anges
Interview d’Anne-Caroline PANDOLFO et Terkel RISBJERG


Comment est né l’album et quelle est la part de vécu dans votre récit ? Est-ce que ce sont les lieux, les événements, les personnages ?

Anne-Caroline PANDOLFO : C’est l’ensemble. C’est vraiment du pur vécu mais qui a été fictionnalisé. Mais c’est sur une inspiration de mon adolescence. J’ai grandi dans un village pavillonnaire comme ça, du Faubourg de Strasbourg. Isheim ça n’existe pas. Tous les villages alsaciens se terminent en heim. Et celui dans lequel j’ai grandi en fait partie. Mais je ne voulais pas cristalliser un village plutôt qu’un autre. Comme on raconte quand même un ennui mortel, je lui ai donné un nom qui n’existe pas.
On rencontre plein de lecteurs qui nous disent « on s’est reconnus, on a vécu la même chose ». Donc Isheim c’est en Alsace parce que c’est là que j’ai grandi. Mais je crois que ça peut être n’importe où en France. Dans les coins pavillonnaires ou ruraux où il n’y a pas grand chose à faire. C’est le mal-être adolescent,avec l’ennui en plus. On était dans des lieux où il ne se passe pas grand-chose, où il n’y a pas d’offres culturelles. Tout se passe dans les relations entre les jeunes qui se rassemblent et qui s’ennuient ensemble. C’est du souvenir personnel.

Sans être indiscret, est-ce que certains des personnages se rapprochent plus de ce que vous avez connu ?

Anne-Caroline PANDOLFO : Non, ce n’est pas indiscret du tout. Puisque j’en ai fait un bouquin. Je pense que je suis un peu dans les personnages, plutôt que dans un personnage en particulier. Évidemment la petite punquette, là au niveau du look, c’était plutôt moi. Mais Chris,qui a le look de Robert Smith, je me retrouve aussi dans son tempérament. Et puis les autres, c’est un mélange de gens que j’ai connus en fait.
Ce sont des personnages que j’ai créés de toutes pièces mais sur des souvenirs que j’ai fictionnalisés. Ça se sent dans le récit. Ça me semblait évident que ça ne pouvait pas être que du récit fictionnel.
Il y a des scènes que j’ai vécues vraiment, comme la première, avec le jeune qui commence à dire ça (NDR : Hervé qui donne un cours sur l’exacte prononciation du mot Fuck). C’était cette époque où personne n’allait aux États-Unis. Et ce gars revenait des États-Unis. Donc, on était tous là : « Il est allé sur Mars ». Il se la jouait complètement à nous expliquer… Ça m’a marquée. Alors qu’en soi, c’est rien comme scène. Mais c’est aussi cette petite scène qui donne de l’authenticité au récit.
Et puis ces moments prennent vachement d’importance quand on s’ennuie. Tous les petits drames des familles, c’est grossi. Parce qu’on entend l’histoire de la voisine, du fils, du voisin. Et du copain, de son frère, son petit frère, son grand frère. Et ça prend des proportions parce que ça rentre dans des têtes qui sont en manque d’histoire, dans des villes qui n’ont pas d’histoire. Où tout le monde dort. Où il ne se passe pas grand-chose.

Est-ce que dès le départ, il y avait cette idée d’intégrer toutes ces références rock ? Qui les a choisis ?

Anne-Caroline PANDOLFO : On les a choisis ensemble. Mais pour moi, c’est une époque où on vivait à travers la musique. C’était vraiment l’échappatoire principal. Et puis aussi une petite bataille permanente : «  toi t’écoutes quoi, toi t’écoutes quoi ?… » J’ai deux sœurs et l’une de mes sœurs écoutait vraiment de la musique pop. Elle avait un look fluo. J’aime beaucoup ce personnage là aussi.
J’étais plutôt gothique. C’est marrant parce qu’on était dans des mondes différents. On se différenciait mais on se personnalisait comme ça. Et dans le groupe de jeunes de l’époque, on était tous super lookés. Donc ce contraste était rigolo. Parce qu’on s’affirmait comme ça par la musique et le look, les cheveux et tout. Et on débarquait comme ça dans le village. Les parents détestaient qu’on ait des looks comme ça. L’intérêt, c’était de choquer les parents.

L’intrigue se déroule dans les années 90. Or la bande-son de l’album est presque exclusivement composée de titres des années 80, sans référence explicite et sonore au rock des années 90, Gun N’s Roses, et le grunge notamment.

Terkel RISBJERG : Le premier Gun N’s Roses, c’est 1987. Au départ, on s’est dit 1989. Et on l’a situé là. Après on s’est dit on prend la musique en arrière, mais pas en avant, parce que sinon, il va y avoir une sorte d’anachronisme. Pour nous, c’est la toute fin des années 80. 80 ou tout début des années 90.

Anne-Caroline PANDOLFO : Pour moi ça n’a jamais été aussi précis en fait. Parce que ça aurait pu être les années 80, les années 90. Moi à l’époque j’écoutais beaucoup Cure, Siouxie… Des choses qui étaient déjà plus anciennes en fait. Parce qu’on n’avait pas non plus le même accès à la musique hyper actuelle qu’aujourd’hui. Aujourd’hui, les jeunes disent « tiens demain il y a l’album de machin qui sort sur Spotify ». C’est demain et ils l’auront tout de suite.
Et moi dans le patelin où j’étais, on avait la musique avec du retard… sur des cassettes. On écoutait des trucs sans savoir si c’était le dernier sorti. Parfois il y avait quelqu’un comme le gars qui venait de New York ou qui venait de Londres, qui ramenait des disques, des imports. Tu dois te souvenir des imports. C’était vraiment le truc qui faisait rêver tout le monde.

Terkel RISBJERG : T’inquiètes pas il y a un t-shirt Nirvana dans le tome 2. Et une affiche Rage Against The Machine !

Quel est le ou les personnage(s) dont vous vous sentez le plus proche ?

Anne-Caroline PANDOLFO : J’ai du mal à dire parce que j’ai l’impression que dans chaque personnage il y a une facette de moi qui m’a permis de créer le personnage en fait. J’aime beaucoup le personnage de Chris. Parce qu’il est un peu observateur de l’extérieur. Et il essaie de créer son truc. On lui met des bâtons dans les roues. Et je l’ai beaucoup développé dans le deuxième tome aussi. Comme un personnage qui me touche particulièrement.
Mais bon voilà c’est pour une facette. Et puis sinon j’aime bien l’espèce de grand cœur un peu brutal de Vivi évidemment. Oui, je les aime bien tous, même aussi les deux René qui se tapent tout le temps.

Terkel RISBJERG : Je m’habillais comme ça (NDR : il montre le personnage de Red). Il y a quelques trucs, comme The Cult, Sonic Youth. C’est plus moi,je crois. Mais je n’ai pas vécu dans un village. Ma jeunesse n’a pas beaucoup ressemblé à ça. J’étais dans le centre-ville de Copenhague. Déjà les gens étaient moins lookés. Mais nous qui écoutions du Métal. C’était quand même plutôt marqué. Pour moi tous les autres étaient pareils. Il y avait une espèce d’hégémonie, un parallélisme dans la jeunesse danoise. Ce n’est pas forcément un mal. Mais je crois que les Français étaient beaucoup plus lookés. Et les rébellions aussi étaient sans doute beaucoup plus marqués et plus nécessaires en France qu’au Danemark. On avait moins ce sectarisme.
Mais qui je serais ? Moi j’avais des cheveux longs, j’étais calme, je jouais de la guitare. Mais c’était pas pour la rébellion en fait. J’étais gentil avec maman.
Après je serais tombé amoureux de Vivi, c’est une évidence. C’est un aimant.

Anne-Caroline PANDOLFO : On a un garçon et une fille. Et c’est en les observant qu’on a eu envie de faire ce bouquin.C’est de la transmission. Mais ça nous a aussi rappelé notre adolescence à nous de les voir grandir. Et il y a des choses qui n’ont pas du tout changé. Des désirs profonds. Des désirs de rébellion aussi. Et puis il y a des choses qui ont complètement changé. C’est surtout tout le contexte. Le rapport à la musique a complètement changé.Les relations aussi. Et puis le contexte politico-social, le Climat et tout ça. Et avec des très bonnes choses. Une libération de la parole des femmes. Les femmes à cette époque-là, c’était pas la joie. Les homosexuels, les autres minorités n’existaient même pas. Tout ça c’est beaucoup mieux. Et puis il y a d’autres choses qui sont beaucoup plus dures. Les réseaux sociaux oui mais qui ont été vachement bénéfiques aux femmes et aux minorités. Donc voilà, tout ça nous a donné envie de faire ce projet.

On était des anges

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Dessins : Terkel RISBJERG – Textes : Anne-Caroline PANDOLFO

Les années 1980, marquées par la New-Wave et le Post-Punk, l’essor de l’électronique (souvenez-vous du magnifique son des batteries !) et l’irruption des claviers avaient un peu ringardisé le Rock à guitares de la décennie précédente. En attendant les années 1990, qui ont remis au goût du jour les guitares saturées, les cheveux longs, la provocation et la révolte adolescente, grâce, entre autres, aux Guns N’ Roses et à la vague Grunge, il y avait quand même de quoi s’en mettre plein les oreilles avec le Rock des 80’s, New Wave, Post-Punk, Heavy et Trash Metal (merci à Iron Maiden d’avoir sauvé les 80’s !).

Quelle chance ont eu les adolescents du début des 90’s d’avoir vécu cette époque bénie, baignés dans cette mouvance rugissante, me diriez-vous ? Ben, en fait, non, pas tant que ça, vu que coller dans la même phrase « adolescents » et « époque bénie » relève souvent de l’oxymore.

« On était des anges » en constitue une belle illustration. L’histoire met en scène une bande de jeunes qui se fendent pas vraiment la gueule (eh ouais, je cite Renaud, j’ai bien le droit de faire du social !). Résidents d’un bled paumé d’Alsace, imaginaire mais emblématique, Isheim, ils traînent leur spleen de fin d’été et attendent avec impatience l’âge de la majorité dans quelques mois, perspective (ou mirage) de la liberté absolue.

D’emblée, le ton est donné avec une brillante démonstration de phonétique sur la prononciation correcte du mot fuck, délivrée par Hervé qui a eu la chance d’aller aux States, prestige assuré auprès de ses potes. On découvre ainsi tous ces jeunes, archétypes de leur génération et des différents courants musicaux de la période qui formeront la toile sonore du récit. Le Punk avec Hervé et Vivi, la New Wave avec Chris, clone très réussi de Robert Smith des Cure, ou encore le Hard et le Métal avec Red (qui trouve toujours des paroles de Metallica, Maiden, etc. appropriés aux évènements).

Mais cette bande de désœuvrés comporte aussi des membres, soit sans identité musicale affirmée, tels les deux jumeaux Renés, sortes de skinheads sympathiques toujours en train de se chiffouiller, soit, telle Tralala (pourquoi pas ?) qui se laissent bercer par les tubes mainstream de l’époque, comme Cindy Lauper ou Prince (on a vu pire). Ce qui donnera d’ailleurs le prétexte à une querelle d’esthètes opposant fans de Rock et fans de tubes, lors de l’incontournable boum qui dégénérera rapidement.

L’arrivée de la mystérieuse et envoûtante Persille va être l’élément déclencheur de l’histoire. Entre ces jeunes, des intrigues amoureuses vont se tisser ou se renforcer, avec leur lot d’espoirs, de déceptions et de sentiments inavoués, dont le problème est bien sûr la capacité à les exprimer ou non. Désir de s’évader du quotidien, soit par la musique, soit en se barrant définitivement de ce bled, en plaquant des parents tyranniques ou largués mais forcément toujours à côté de la plaque.

Soif de liberté, d’amour, d’aventures, de musique… « On était des anges » convoque tous les thèmes du malaise adolescent. Ce n’est donc pas l’originalité de l’intrigue qui importe ici mais cette capacité à donner vie à une galerie de portraits, attachants, sincères et authentiques.

De ce point de vue, les auteurs ont amplement réussi leur coup. On devine qu’il y a beaucoup de vécu derrière tout ça car on a tous traversé avec plus ou moins de bonheur cette période compliquée et charnière de notre existence. Le mérite en revient d’une part à un scénario dense mais très fluide avec des dialogues et une psychologie des personnages qui sonne juste et d’autre part à un graphisme expressif (mention spéciale pour les regards) et très efficace, agrémenté d’une mise en couleurs parfaitement raccord avec un beau travail sur les trames de noir.

Le tome 2 est annoncé pour août 2026 et on a hâte de découvrir ce que seront devenus les héros trente ans plus tard ainsi que la vision que les auteurs auront de la musique Rock aujourd’hui. 

Bonus Track : Interview de Anne-Caroline PANDOLFO et Terkel RISBJERG

Woodstock 69

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Dessins : José-Luis MUNUERA – Textes : Kid TOUSSAINT


Les connaisseurs le savent : Les festivals de musique, c’est chiant. D’abord, vu que c’est en plein air, tu es à la merci des caprices de la météo. Et comme la plupart des festivals ont lieu en été, c’est soit le cagnard, soit la grosse drache et souvent un mix des deux sur plusieurs jours. Insolation ou pneumonie, choisis ton forfait, avec option bain de boue les bonnes années. Le son est au mieux passable et le plus souvent pourri et dans tous les cas hyper fort, pour que chaque scène couvre bien le niveau de décibels des autres. Côté finances, le prix du billet te coûte un rein. La bouffe est chère, la boisson est chère (et si t’aimes pas la bière, eh ben tant pis) et pour évacuer tout ça, les chiottes sont immondes avec une file d’attente qui te fait regretter n’importe quel guichet de l’administration de ton choix.

C’est blindé de monde, donc tu te tapes un bouchon digne d’un chassé-croisé estival (mais dans un seul sens) puis tu galères à trouver une place de parking à l’autre bout du bled, et tu dois encore marcher plusieurs bornes jusqu’au site du festoche. Et n’oublions pas l’hébergement ou plutôt si, oublions le, car on ne peut vraiment qualifier ainsi le bout de champ merdique où tu iras t’installer au milieu d’un océan de tentes de camping dont les propriétés d’isolation phonique légendaires te garantiront chaque nuit une absence totale de sommeil. Pas de soucis, tu auras toute une semaine de boulot derrière pour bien récupérer. Voilà. A part ça, l’ambiance est plutôt cool et surtout il y a plein de groupes !

Le point de départ de ces joyeux bordels musicaux qui se déroulent chaque année un peu partout dans le monde porte un nom emblématique : Woodstock aux États-Unis (qui s’est en fait déroulé à Bethel à environ 100 km) a confronté le public à toutes les galères sus-mentionnées. Il a constitué, du 15 au 18 août 1969, le paradigme des festivals Rock. Il en détient le record d’affluence : 500 000 personnes.

Un documentaire et un album Live ont immortalisé l’évènement. De nombreux bouquins ont été écrits dont quelques BD. « Woodstock 69 » est la dernière en date. Kid Toussaint a pris le parti scénaristique, plutôt que de pondre un énième biopic, d’utiliser ce monument de l’histoire du Rock comme toile de fond à une intrigue purement fictive, illustrant les trois piliers du mythe Woodstock : Paix, Amour et Musique. Un petit cahier documentaire à la fin de l’album fournit les choses essentielles à connaître sur ces 4 jours exceptionnels qui ont réuni quasiment toute la crème du Rock de l’époque. On n’a jamais revu une telle densité de talents depuis, hormis le Live Aid en 1985.

Ulysse est un soldat rescapé du Vietnam où il a reçu une lettre de Leslie, qui lui annonce vouloir le quitter pour aller se marier avec un autre homme à Woodstock. Leslie, est en route pour le festival, accompagnée de Gaby, enceinte de 8 mois qui compte bien trouver sur place un père pour son futur rejeton. Ulysse va tout faire pour retrouver Leslie, parmi les centaines de milliers de festivaliers et empêcher ce mariage qui, après le traumatisme du Vietnam, bouleverserait sa vie une seconde fois. Son odyssée (forcément) va lui faire découvrir le foutoir absolu du festival mais aussi son ambiance unique. Il va croiser quelques personnages haut en couleurs et notamment Franco, un coiffeur italien persuadé que toute cette affluence chevelue va lui offrir une clientèle abondante.

L’intrigue principale est ponctuée par l’évocation de quelques grands moments du festival, les concerts en premier lieu, les galères de l’(in)organisation du festival, dont la logistique était prévue pour 10 fois moins de personnes, les problèmes techniques, aggravés par quelques pluies torrentielles, le manque d’argent pour payer les groupes… Au milieu de ce maelstrom, Mickael Lang, l’instigateur du festival, absorbe avec zénitude tous les problèmes. Sa présence rayonnante est le fil rouge de l’histoire, et il incarne tout l’esprit de Woodstock même s’il est probable qu’il n’a pas dû être aussi serein qu’il apparaît ici.

Le dénouement offre une issue inattendue et assez ironique qui pourra peut-être déstabiliser certains lecteurs mais qui reste dans l’ambiance générale du récit, parfaitement servie par le dessin superbe de Munuera, virtuose sans être démonstratif, qui apporte à ses personnages cette petite touche qui nous les rend aussitôt familiers.

L’idéal de Woodstock peut sembler aujourd’hui un peu naïf et dépassé mais on ne peut lui dénier sa sincérité et le fait qu’il reste à ce jour le plus grand festival de l’histoire du Rock, auquel « Woodstock 69 » rend un bel hommage.

Starman – Quand Ziggy éclipsa Bowie

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Dessins et textes : Reinhard KLEIST

Si l’on devait ne retenir qu’une seul période parmi les nombreuses qui ont jalonné la fantastique carrière de David Bowie, ce serait sans doute celle de Ziggy Stardust. Parce qu’elle est la plus originale, la plus surprenante, la plus avant-gardiste (du moins visuellement). Et aussi celle où il a failli se perdre dans le personnage qu’il avait créé. Et dont il a su se sortir pour se réinventer, loin des outrances du rock-business lors de sa période berlinoise où il est passé du statut de Rockstar à celui de compositeur et musicien renommé et reconnu pour sa musique et non plus les seulement les outrances de son look ou de sa vie privée.

Pour nous faire revivre l’effervescence de ces deux époques essentielles, Reinhard Kleist était l’un des mieux placés. D’abord parce que dans le domaine du biopic Rock, l’auteur allemand sait faire. Ses deux ouvrages sur Johnny Cash et Nick Cave sont des modèles du genre.

« Starman » s’inscrit logiquement dans la même veine avec en prime une petite innovation puisque Kleist est passé à la couleur. Cela semblait incontournable pour restituer l’orgie visuelle des looks flashy du Glam Rock de Ziggy et de ses Spiders of Mars. On n’est pas surpris qu’il s’en sorte haut la main et au passage cela lui a procuré un ingrédient narratif puisqu’il a gardé la bichromie pour les nombreux flash-back qui émaillent son récit.

Les biopics de Kleist ne sont en effet jamais linéaires et ils échappent aussi à ce côté didactique qui caractérisent souvent les biographies. Pour tout savoir sur Bowie, il existe déjà un paquet de bouquins et de pages Internet. Comme pour Cash et Cave, Kleist développe sa propre vision de ses sujets, en explorant leurs fêlures intimes, les ressorts, les instants décisifs et les raisons profondes qui en font des artistes hors du commun.

David Robert Jones a toujours été passionné de Science-Fiction et son frère aîné était schizophrène. Ces deux éléments aident à comprendre le personnage de Ziggy Stardust, même si la personnalité de Bowie est plus complexe et c’est justement tout le talent de Kleist de lever une partie du mystère. L’évocation de l’exil volontaire de Bowie à Berlin, en compagnie de son âme sœur, Iggy Pop, n’est pas moins passionnante. Bowie va entreprendre une remise en question douloureuse mais fructueuse tant de sa vie privée que de sa trajectoire musicale.

On retrouve bien sûr l’une des qualités primordiales de Kleist : un dessin sobre, expressif et très fluide qui lui permet de composer une galerie de portraits hautement crédibles sans tomber dans la caricature.

Avec « Starman », Kleist s’affirme, comme prévu, comme l’un des meilleurs auteurs de biopics Rock en BD. Vivement son prochain.

Sounds of vinyl

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Dessins et textes : Ryôichirô KEZUKA

Oubliez la technique, les platines hors de prix et les noms d’artistes pointus. Aujourd’hui, je voudrais vous parler d’un manga qui ne se lit pas avec les yeux, mais avec le cœur. En 2025, Sounds of Vinyl de Ryôichirô Kezuka s’est imposé comme bien plus qu’une œuvre sur la musique : c’est un recueil de vies sur fond musical.

Dans ce manga, chaque chapitre est une rencontre. Ce n’est jamais la simple histoire d’un disque qu’on achète, c’est l’histoire d’une émotion qu’on retrouve. C’est ce vieil homme qui pleure en réécoutant le morceau sur lequel il a dansé avec sa femme disparue. C’est cette jeune fille perdue dans la grande ville qui trouve, au détour d’un sillon, le courage de ne pas abandonner ses rêves.

Kezuka possède ce talent rare de capturer « l’entre-deux » : ce silence qui précède le début d’une chanson, ce moment où le monde s’arrête de tourner parce qu’une mélodie nous touche précisément là où ça fait mal, ou là où ça fait du bien.

Ce qui bouleverse dans Sounds of Vinyl, c’est la tendresse que l’auteur porte à ses personnages. Ce sont tous des gens ordinaires, un peu cabossés par la vie, un peu solitaires. L’émotion passe par des regards, des mains qui tremblent un peu en tenant une pochette cartonnée, ou de longs silences contemplatifs. On est dans la pure tranche de vie, celle qui nous rappelle que même dans la solitude la plus profonde, une chanson peut être une main tendue.

Pourquoi ça nous touche autant ? Parce que Kezuka dessine la nostalgie sans jamais être ringard. Il nous montre que la musique est un langage universel qui répare les ponts brisés entre les générations. C’est un manga qui fait du bien, une lecture « pansement » qui nous invite à ralentir, à respirer, et à écouter ce que les autres ont à nous dire, au-delà des mots.

C’est une œuvre d’une humanité foudroyante, qui vous laissera sans doute avec une petite boule dans la gorge, mais une chaleur durable dans la poitrine.

Et pour porter cette émotion, il fallait un style visuel à la hauteur. Kezuka possède une patte graphique incroyable, presque anachronique : Son trait est organique, charbonneux, très riche en encrage. On sent physiquement le poids des objets, la texture du papier des pochettes et le grain de la poussière dans les boutiques. Il s’inspire du Gekiga, ces maîtres du manga d’auteur des années 70. Ses noirs sont profonds, ses ombres sont travaillées, et chaque planche semble avoir été patinée par le temps. Il sait parfaitement dessiner le silence. Ses cases contemplatives sur une aiguille qui se pose ou sur un regard qui s’évade sont de véritables tableaux qui renforcent la mélancolie du récit.

Mon petit conseil lecture : Lisez-le au calme, loin de votre téléphone. Laissez-vous porter par la mélancolie douce des personnages de Kezuka, c’est un voyage intérieur dont on ressort un peu plus apaisé, pour ma part c’est un énorme coup de coeur.

Chronique rédigée par Fabien pour la Case de Seb sur Radio G
Émission du 09/02/2026

Rockabilly

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Dessins : Christophe DUBOIS – Textes : RODOLPHE

Au commencement étaient la Country, le Folk et le Blues. Et puis, dans les années 1950 un Prophète est arrivé, il s’appelait Elvis. Il a vite rallié de nombreux disciples comme Chuck Berry, Little Richard, Gene Vincent ou Buddy Holly et ensemble, ils ont créé une nouvelle religion : le Rock’n Roll… et laissé le Diable entrer dans les chaumières, via les postes de radio, dans les esprits d’une jeunesse naïve et corruptible.
Parmi ces adeptes touchés par la grâce divine… ou diabolique, si vous préférez, il y a Hank, un jeune homme qui vit dans une ferme à Hazard, dans le Kentucky, avec son père, ses trois frères et sa sœur. Dans ce bled moche où il fait toujours chaud et où il ne se passe rien, Hank trompe l’ennui en jouant de la guitare dans les fêtes locales et en composant des chansons… de Rock’n Roll évidemment.
Le récit débute à la gare de Hazard où Hank taquine la guitare en attendant la nouvelle membre de la famille : Mary-Barbara, diminutif Barbie, venue rejoindre Bram, le frère aîné qu’elle a épousé pour se sortir de sa congrégation pour filles paumées.
Dès le début, on devine que l’arrivée de cette fille superbe qui n’a pas froid aux yeux, entre autres, va bousculer le quotidien monotone de cette famille de farmers, en apparence traditionnelle et cependant très atypique : Hank qui rêve de devenir une Rockstar, son père taciturne à la violence refoulée, Eddy un frère cadet délinquant, Evy une sœur autiste… et une mère, qui n’est plus là, et c’est d’ailleurs l’une des clés de l’intrique.
Les ingrédients sont ainsi réunis pour que les événements prennent une tournure dont tous les protagonistes ne vont pas sortir indemnes.
Si vous pensez que tout ça est ultra classique, vous avez tout bon et c’est justement l’une des grandes forces de cette chronique de famille américaine rurale, sur fond de naissance du Rock’n Roll avec un touche de Polar. Qu’il s’agisse de l’intrigue, de la psychologie des personnages, du scénario, jusqu’à sa conclusion, du dessin et donc de l’ambiance musicale, on est dans le pur classicisme. Et cela colle parfaitement à la thématique et à l’ambiance de l’album, ce qui donne au final un récit très cohérent et assez immersif.
Rien d’étonnant quand on se penche sur le CV du scénariste. Rodolphe est un vétéran de la BD qui officie sans relâche depuis 1979, alors qu’il avait presque 30 ans. Je vous laisse faire le calcul… Sa bibliographie est impressionnante. On peut citer Les Écluses du Ciel, Mary la Noire, L’autre Monde, Pump. S’agissant de récits autour de la musique, il est l’auteur de Outsiders, Mojo, Rockstar (dans la série Le Village) ou J’ai tué Lennon. C’est donc un fin connaisseur et amateur de Rock classique et cela se ressent inévitablement dans Rockabilly où le contexte de cette révolution musicale, qui va changer les USA, y compris les coins les plus reculés comme Hazard, est bien restitué, au service d’un récit bien mené.
Christophe Dubois est quant lui le dessinateur du Cycle d’Ostruce, un récit assez original de Steam Punk mâtiné d’Héroïc Fantasy se déroulant pendant la révolution russe. Il est d’ailleurs remarquable de voir comment son dessin a évolué dans Rockabilly, puisqu’on est sur un graphisme très réaliste et maîtrisé, qui fait un peu penser à du Gibrat. Qu’il s’agisse des scènes de violence, d’intimité ou bien sûr de musique, le trait précis et les couleurs directes nous plongent dans l’Amérique profonde des 50’s. On ressent la moiteur du climat, des corps et des âmes et cette atmosphère oppressante, annonciatrice d’un dénouement dramatique mais pas forcément inattendu, surtout si l’on est féru de thrillers.
L’épilogue viendra rappeler opportunément que le Rock’n Roll reste plus fort que tout et peut faire oublier les moments les plus pénibles et retrouver « la banane », (c’est nul mais c’est offert par la maison !).
En résumé, avec Rockabilly, vous ne serez peut-être pas surpris, mais vous ne serez pas déçus.

Paul – La résurrection de James Paul McCartney (1969-1973)

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Dessins et Textes : Hervé Bourhis

Quand on a été l’un des membres du plus grand groupe de Rock du monde, et que tout s’arrête du jour au lendemain (même si on l’avait vu venir), que peut-on bien faire de ses journées ?
McCartney a commencé par l’option classique de la déprime, copieusement arrosée d’alcool. Il faut dire qu’en quelques semaines, Paul a eu bien des soucis : Il s’est pris en pleine poire : la fin des Beatles, la rumeur bidon sur sa mort, l’échec de son premier album solo, massacré par la presse et occulté par la sortie de l’album Let It Be, dont la production a été (selon Paul) sabotée par Phil Spector, ou encore le procès contre ses anciens camarades et Allen Klein, le nouveau manager véreux des Beatles.
Malgré tous ces déboires, McCartney va réussir le tour de force de remonter un groupe, les Wings, et d’en faire l’un des plus célèbres des années 1970, réussissant (presque) à faire oublier son statut d’ancien Fab Four.
Hervé Bourhis, qui est l’un des auteurs BD les plus éminents de la BD Rock, auteur, entre autres, du Petit Livre Rock, du Petit Livre Beatles, de 45 Tours Rock et de Retour à Liverpool, nous fait revivre avec une érudition discrète cette page passionnante de la vie de McCartney, à savoir les 4 ans qui ont suivi la séparation des Beatles. En insistant sur le côté humain du personnage, ballotté par les évènements mais qui va s’en sortir grâce à son génie musical, la présence de sa femme Linda, qui va lui remettre les pieds sur terre, et aussi sa forte personnalité.
Car, contrairement à l’image que beaucoup ont de lui, Paul n’a jamais été le gentil garçon romantique, voire un peu niais, sorte d’anti-thèse de John Lennon. Il a composé les titres les plus rock’n roll des Beatles et il pouvait se montrer très autoritaire, voire tyrannique, ce qui avait d’ailleurs braqué George Harrison contre lui, avec le soutien de Lennon. La façon dont il finalement géré la fin des Beatles est révélatrice de sa force de caractère.
« Paul » se lit comme une fiction, grâce à la maîtrise narrative de Bourhis, un choix de couleurs et une mise en page dynamiques et inventifs, qui retracent parfaitement l’atmosphère musicale de l’époque, avec un dessin simple et efficace, comme un bonne chanson Rock, des Wings, Magneto and Titanium Man par exemple (oui, des héros de Comics, comme par hasard !).

Rocknroll Suicide

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Dessins et Textes : Louise Laborie

Dans une station balnéaire, à la localisation indéterminée, trois jeunes adultes végètent tant dans leur propre vie que comme membres de Supersonic Pizza Club, un groupe de reprises éclectiques de morceaux de Rock allant des Beatles aux Arctic Monkeys. Ils écument les troquets et restaus du coin. Iris la batteuse est serveuse dans un bar. Martha, guitariste et chanteuse, riche oisive, est rongée par son ambition de devenir une Rockstar. Valentin, le bassiste à la timidité maladive, angoisse de se faire virer du groupe.
Depuis toutes ces années où ils jouent ensemble, ils n’ont encore jamais rien composé et à ce rythme leur rêve de carrière musicale s’éloigne implacablement. Mais voilà qu’ils décrochent enfin leur Graal : jouer au Balroom, la salle de spectacle locale où se produit chaque semaine Lionel Chevallier, sosie taciturne et mystérieux de Frank Sinatra dont il reprend le répertoire…
Le thème classique d’une jeunesse engluée dans un bled de province qui sclérose très vite le moindre rêve de gloire, est ici traité dans une chronique douce amère, mélancolique comme un ciel maussade de bord de mer. Le titre de l’album est une référence pas du tout innocente au beau et dépressif morceau de David Bowie. L’autrice fait aussi un clin d’œil sympa au mythique Club des 27, l’âge de Martha au moment du récit.
Le graphisme est sobre et expressif, les personnages sont bien campés et l’intrigue ménage son petit suspense jusqu’au bout. Voilà qui redonne en fin de compte une bonne raison de vivre et d’écouter du Rock’n Roll.

Les Héros du Peuple sont immortels

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Dessins et Textes : Stéphane OIRY

Faut-il être un voyou pour être un vrai Rocker ?
La question peut légitimement se poser au regard du CV de pas mal de Rockstars quise sont illustrées dans les figures de style du Rock’n Roll Way of Life, telles que (liste non exhaustive) : Bastons dans les concerts, les bars, les loges, etc.; Destructions de chambres d’hôtels ; Abus sexuels sur des filles pas forcément consentantes et parfois pas forcément majeures ; Et bien sûr l’incontournable consommation de substances illicites en tous genres. Un séjour en prison constituant le marqueur ultime de la crédibilité Rock. Même ce « gentil » (fausse réputation dont on reparle ailleurs sur ce site) et vénérable Paul McCartney a fait de la tôle pour détention de drogue, c’est vous dire !
Mais dans cette caste de bad boys, la palme revient assurément aux Punks. Crades, déjantés, mal élevés, perpétuellement défoncés… Le Punk, par delà la provocation gratuite, le rejet de toute convention sociale ou politique, c’était avant tout au départ une revendication libertaire, souvent anarchiste et une envie irrépressible de crier qu’on existe. Dans le Rock, ça s’est traduit par le rejet de la virtuosité musicale et le retour à l’énergie brute du Rock, loin de la théâtralité et du Bizness qui dominaient dans les années 1970.
Comme d’habitude, c’est parti des States (Stooges, New York Dolls, Ramones…) et ça s’est rapidement propagé en Angleterre (Sex Pistols, Clash, Buzzcoks…). En France, on a pris le train durant les années 80, à la grande période du Rock dit « Alternatif » : Bérurier Noir, Parabellum, Garçons Bouchers, OTH (évoqué dans l’album) et consorts.
Gilles Bertin a fait partie de cette vague musicale en tant que chanteur du groupe bordelais Camera Silens, au début des années 1980. Et c’était aussi un authentique voyou, ayant fait de la en prison pour cambriolage. Mais son principal fait d’armes sera d’avoir, avec ses complices, braqué un dépôt de la Brinks pour un montant de 11 751 316 Francs (un peu moins d’1,8 millions d’euros), ce qui lui a a valu un exil d’une trentaine d’années au Portugal puis en Espagne.
Gilles Bertin a raconté son histoire dans une autobiographie parue en 2019, que Stéphane Oiry a eu la bonne idée et le talent d’adapter en BD. L’auteur a déjà œuvré dans deux excellents albums où le Rock jouait un rôle important : « Une vie sans Barjot » et « Pauline et les Loups-Garous » ainsi que dans une magnifique et crépusculaire évocation de Johnny Thunders dans Rock Strips.
Dans les Héros du Peuple sont immortels, il apporte une nouvelle illustration que le destin des Rockers, avec ou sans la gloire, peut être un chemin de galères, voire de souffrance. Le récit est, impeccablement construit, en choisissant opportunément, après un flash-back préliminaire au Portugal, de se focaliser sur la période française « Rock, Drogue et Braquage » de Gilles Bertin puis la dernière époque de son exil, en Espagne. L’auteur nous fait revivre avec une authenticité rare, tant des personnages que des ambiances, la saga de cet anti-héros, ainsi que de ses potes, marqué par la précarité, la dépendance à l’héroïne, la délinquance, la maladie (le SIDA), auquel la musique et l’amour vont lui permettre d’échapper à une issue tragique et précoce et au final lui apporter une vraie rédemption.
Oiry n’a pas son pareil, grâce notamment à son travail sur les trames de noir, pour retranscrire la fièvre des concerts Rock, avec la furie des pogos et l’énergie de la musique que l’on peut presque entendre à travers les cases.
Et pour les vétérans, c’est un vrai bonheur de voir ressuscitée cette époque bénie des Dieux du Rock, où la France a semblé enfin se déniaiser musicalement.

Retour à Liverpool

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Dessins : Julien SOLÉ – Textes : Hervé BOURHIS

1980 a été une année noire pour le Rock. Elle débutait très mal en février, avec le décès de Bon Scott (est-il besoin de rappeler qui était le monsieur ?) et s’acheva par l’assassinat de John Lennon en décembre. Après ça, on savait tous que les espoirs de reformation des Big Fab s’étaient évanouis dans la brume new-yorkaise. Malgré quelques coups de semonce en forme de pétards mouillés, c’était fichu, du moins tant que John Lennon serait mort, pour paraphraser George Harrison. Restait une flopée de chef-d’œuvres à écouter en boucle en se disant que rien de mieux (aussi bien certes, mais pas mieux) en Pop et en Rock ne serait créé et franchement on n’a pas été vraiment détrompés depuis.
En attendant, on peut toujours rêver et se risquer à prononcer le début de cette phrase magique : « Et si… ? » C’est ce qu’ont fait Hervé Bourhis et Julien Solé en donnant vie à cette uchronie qu’on aurait tant voulu voir se réaliser. Et si en 1980, les Beatles étaient de nouveau réunis pour composer des chansons ? Postulat alléchant mais qui une fois posé représentait un sacré challenge. Avec la culture Rock du sieur Bourhis, on n’était pas vraiment inquiet, encore fallait-il aborder le sujet sous le bon angle. Avec Julien Solé au dessin, il y avait fort à parier qu’on n’allait pas tomber dans l’hommage tiède mais plutôt verser dans une parodie joyeusement iconoclaste.
Et force est de constater que l’on n’est pas déçu et que les deux compères sont même allés au-delà de nos espérances car le quatuor mythique s’en prend des bordées à longueur de pages. L’intrigue est astucieuse et repose sur des évènements réels et, malgré la caricature (chapeau à Julien Solé qui s’est parfaitement sorti de ce difficile exercice graphique en créant une fois de plus de superbes planches) et la succession de rebondissements improbables, on se dit malgré tout que ce récit dense constitue une alternative assez crédible à la triste réalité officielle.
Car au delà de l’humour irrévérencieux, Retour à Liverpool met en lumière un fait incontournable : En 1980, chaque membre des Beatles était arrivé au bout de sa verve créatrice. D’abord ce brave Ringo, avec quelques albums alimentaires et dont les qualités intrinsèques de batteur sont égratignées au passage (ce qui est un peu injuste, tant d’illustres pairs ont depuis reconnu son talent et son importance dans les Beatles). Lennon pondait avec Yoko un double album qui vaut surtout par son nom sur la pochette, avec quelques compos sympas mais qui auraient paru bien faibles sur un disque des Beatles. McCartney avait fait le tour des Wings. Quant à Harrison, s’il avait pondu son chef-d’œuvre, All Things Must Pass, juste après la séparation du groupe, aucun de ses albums suivants dans les 70’s, ne s’était approché de ce magistral premier opus.
Cela aurait donc été le bon moment pour reformer le groupe et repartir vers les sommets de la gloire… et de la fortune. Le cahier d’Hervé Bourhis à la fin du livre vient à point nommé expliquer toute la pertinence de l’hypothèse d’une telle reformation.
Évidemment, le point de départ et surtout le déroulement des évènements n’auraient pas été aussi délirants dans la réalité. N’empêche, le récit fourmille de références et de clins d’œil à des faits et anecdotes historiques que les amateurs s’amuseront à reconnaître et sauront apprécier, à commencer par les rivalités et rancœurs qui régnaient entre les Beatles, prétextes aux détournements les plus drôlatiques. Après un tel hommage, les Beatles trembleront un peu sur leur piédestal, mais après tout ils l’ont bien cherché.

Nous aurons toujours vingt ans

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Dessins et scénario : Jaime MARTIN

En ce temps là, le besoin de découverte et d’interdits propres à l’adolescence passait entre autres par la recherche de la transgression musicale. Mais sans Internet (le Boomer vous salue) la recherche de ces pépites iconoclastes passaient par les bacs de disquaires recelant des vinyles dont la provocation le disputait à l’outrance visuelle, pour racoler le teenager en quête de décibels. Les pochettes de If You Want Blood, Highway To Hell ou du premier Maiden suscitaient instantanément, la fascination, le rejet ou, en ce qui me concerne, une curiosité quasi morbide qui n’a pas été déçue dès la première écoute et ne s’est depuis jamais démentie. A l’inverse, je suis passé à côté d’albums et même d’artistes dont le visuel m’avait rebuté mais qu’Internet permet aujourd’hui de découvrir et de rattraper un peu le temps perdu.
Cette dure réalité du marketing s’applique aussi à la BD. Combien d’albums n’ont même pas le droit à un simple feuilletage en raison d’une couverture pas assez « vendeuse », ce qui explique que les éditeurs y attachent souvent une attention quasi obsessionnelle. S’agissant de Nous aurons toujours 20 ans, point de souci, les fins connaisseurs, dont je prétends faire partie, ont tout de suite repéré l’allusion et l’hommage au premier album des Ramones. Quatre mecs en jean et blouson noir, posture et regards agressifs, signifiant qu’ils sont jeunes, immortels et prêts à bouffer la vie même si elle sera courte et que cela doit bousculer la morale et la bien-pensance.
La couverture était déjà riche de promesses mais comme le rappelle justement Bo Diddley You Can’t Judge a Book by the Cover. Or, le contenu s’est révélé bien au dessus des attentes car il s’agit là, tout simplement, de l’une des meilleurs autobiographies jamais produites en BD. Il faut dire que ce récit, dense et riche, coche toutes les cases de la réussite. A commencer par une toile de fond historique donnant à l’intrigue, qui débute en Espagne à la mort de Franco, une dimension quasi documentaire. Jaime Martin a grandi à Barcelone dans une famille communiste, avec des grands-parents engagés dans la guerre civile et pour laquelle la mort du dernier « grand » leader facho, ayant survécu trois décennies à ses sinistres collègues germanique et italien, est plus vécue comme un soulagement que comme une libération. Avec le retour de l’abruti orangé à la Maison-Blanche, ce point de départ de l’intrigue revêt une résonance particulière.
Jaime Martin retrace son parcours de jeune Barcelonais au sortir du Franquisme, sa soif de BD, de rébellion et de rock’n roll, sans verser dans la nostalgie mais avec une authenticité que seul le vécu peut procurer. Cette bande d’ados révoltés de la fin des Seventies crament leur jeunesse au feu de leurs illusions et se prennent en pleine poire le Punk et le Hard-Rock (magnifique évocation de concerts des Ramones et de Motörhead), Métal Hurlant, la fumette, les émeutes politiques, le service militaire, les filles… et toutes les petites combines pour essayer de se faire un peu de thune (mention spéciale au deal de cassettes de Rock, une véritable Madeleine de Proust pour les Boomers).
Autant d’ingrédients qui font le sel d’un récit passionnant, roman d’initiation, autour de la détermination sans faille de l’auteur à devenir dessinateur de BD, chronique adolescente, comédie sociale et fresque historique se mêlent dans une narration rythmée, d’une fluidité impeccable, grâce au dessin expressif de Martin, qui fait avaler d’une traite les presque 150 pages de l’album. Et bien que l’auteur se place comme il se doit au centre du récit, il évite tout travers narcissique en mettant sur le même plan les autres protagonistes.
La fin du récit et l’épilogue classique et de bon goût, sur le mode « que sont-ils devenus ? » donnent sérieusement l’impression que ces folles années étaient un âge d’or, en comparaison de la période actuelle, qu’il s’agisse du Rock ou de la Bande Dessinée.