Rock et BD, Hey Ho, Let’s Go !

Mis en avant

Bienvenue sur le site qui recense toutes les liaisons légitimes, dangereuses ou secrètes qui unissent le Rock et la Bande Dessinée. Vous y trouverez une bibliographie mise à jour régulièrement, des critiques d’albums, de beaux dessins, des interviews… et des coups de cœur. Un immense merci aux auteurs qui ont créé toutes ces œuvres autour du Rock. Sans eux, la vie serait un peu plus moche et accessoirement ce site n’existerait pas. C’est tout naturellement qu’il leur est dédié, avec une pensée spéciale pour ceux qui contribuent à l’enrichir par leurs mots ou leurs dessins.

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Hard Melody

Dessins et textes: LU MING

Quand on parle de Rock, les références qui viennent tout de suite à l’esprit nous entraînent invariablement de l’autre côte de la Manche ou de l’Atlantique, avec éventuellement un petit détour vers l’Allemagne et pour les moins frileux vers la Scandinavie. Et la France, alors ? Quoi, je viens à peine de commencer et vous voulez déjà qu’on se fâche ? Allez, on se calme… et si je vous disais… la Chine ? Eh ouais, parfaitement ! Vous avez dû remarqué que la Chine s’était éveillée depuis un bout de temps, c’est marqué sur les étiquettes de nos fringues et les boîtiers de nos appareil high-tech. On aurait tendance à oublier que les Chinois ne se résument pas à un peuple de fonctionnaires corrompus et d’ouvriers exploités dans des usines depuis leur tendre enfance jusqu’à leur mort. L’importation du « modèle occidental » n’a certes pas que des bons côtés mais au moins il comprend évidemment le Rock et à lire ce Hard Melody, on se doute que les autorités très ouvertes d’esprit de l’Empire du Milieu s’en seraient bien passé.
Lu Ming avait déjà montré dans Mélodie d’Enfer, récit paru en 2005-2006, sa prédilection pour le Rock gras et saturé. Un groupe de Heavy-Metal glandouillant au Purgatoire revenait de l’au-delà, à la recherche du Guitar Hero qui donnerait vie pour l’éternité à leurs aspirations électriques. Même si cette histoire fantastique, originale et séduisante, perdait peu à peu de son intensité jusqu’à un final philosophico-mystique pas vraiment convaincant, l’auteur y faisait déjà l’étalage d’une remarquable maîtrise graphique, dans une veine Comics dynamique et expressive. On en trouvera d’ailleurs un bel exemple sur la couverture du livre Le Rock dans la Bande Dessinée… d’un certain Bruno Rival.
Lu Ming revient ici à sa passion pour les décibels dans une veine beaucoup plus réaliste tant dans le dessin que dans le scénario.
« Au fond du ciel bleu » est un power trio qui unit trois potes pour qui le Rock est autant un exutoire qu’un moyen d’expression critique. On les découvre dans un festival devant un public bien fourni et l’on devine l’amorce d’une carrière prometteuse. Dix ans plus tard, retour à la réalité. Zhang, le guitariste chanteur, frimeur et flambeur a réussi dans le commerce, Dadong, le bassiste taciturne, vivote dans l’immobilier et peine à boucler les fins de mois. Heizi, le batteur dont le naturel agressif lui a attiré bien des déboires et l’a conduit vers l’armée pour échapper à la tôle a fini toutefois par trouver une forme de sérénité. Les trois amis se retrouvent un soir dans un troquet de Pékin et décident, après avoir fait le bilan, de remonter le groupe pour retrouver la flamme et un peu de l’esprit libertaire qui les animait naguère. Sauf que Dadong s’est mis dans une situation inextricable que bien des Chinois connaissent en accédant à la « petite propriété ». La solidarité du groupe va trouver un autre terrain d’expression que celui de leur musique.
Certes, l’intrigue pourrait tenir sur un tweet (désolé pour les timbres-poste et les tickets de métro, faut métaphoriser avec son temps) et avec un Story-Telling plus classique, l’intrigue aurait été sans doute plus dense. Mais cela aurait peut-être aussi atténué le propos de l’auteur. Grâce à un découpage aéré où trouvent place de superbes illustrations pleine page, Lu Ming va à l’eHard Melody001ssentiel et illustre avec des images puissantes et parfois épiques un idéal Rock qu’il vit au quotidien en tant que musicien et auteur de BD vivant en Chine et qui éclate dans la précision et la justesse des attitudes de ses héros. Cette fureur de vivre à la sauce aigre-douce s’avère hélas peu compatible avec la Chine « moderne » dont il donne une vision radicale. Hard Melody brosse à grands traits le portrait réaliste d’une société violente qui passe autant par l’oppression économique que politique pour écraser les individus et entraver les aspirations des artistes de tous poils qui veulent exister derrière la Grande Muraille.
Les Chinois s’occidentalisent. Pas sûr que ce soit une bonne nouvelle mais s’agissant du Rock (et de la BD), on ne peut que s’en réjouir.

Quand le rock a rendez-vous avec la BD

Au début de l’été, j’ai été interviewé (entre autres) par un journaliste de RFI qui avait découvert le site et mon livre. Encore une occasion de parler de BD et de Rock, avec une incursion vers cette nouvelle forme originale et assez récente de passerelle entre les deux disciplines, le concert BD.

L’article paru sur RFI.FR en août 2014 : Quand le rock a rendez-vous avec la BD

Bonus Track : JP AHONEN

A propos de Perkeros : 3 questions à JP AHONEN

Perkeros est le premier roman graphique abordant le Métal. Quelles ont été les étapes de la conception d’un récit aussi long et dense ?
Le récit est bien sûr né de la confrontation de nos centres d’intérêt respectifs. KP (NDR : Alare, le scénariste) et moi partageons les mêmes goûts musicaux et composons et jouons ensemble depuis longtemps. Alors que nous commencions nos études universitaires, nous nous sommes tous les deux rendus compte que nous n’avions plus assez de temps pour faire de la musique ou jouer dans un groupe. Je pense que cela nous manquait tellement que nous avons voulu transposer ça en BD.
Réaliser un roman graphique était un rêve d’enfant, quelque chose que je voulais faire depuis que j’ai 13 ans environ. C’est fou de penser que ça m’a pris 20 ans pour avoir le temps et l’opportunité de le faire mais je crois que tous les autres projets que j’ai menés dans l’intervalle étaient nécessaires. J’ai constaté que mon expérience acquise en faisant des strips dans les journaux du dimanche, des BD satiriques sur des thèmes contemporains ou des travaux de commande ont été bien utiles au moment de concevoir le récit et l’artwork du livre.
Pour aboutir à l’œuvre actuelle de Perkeros, ça a pris un certain temps. Nous avons en fait commencé à broder autour de l’idée de base en 2006, bien qu’à l’époque nous n’étions pas encore sûrs de ce que nous ferions avec le groupe. Au fil du temps, l’idée est arrivée à maturité et nous avons commencé à comprendre ce que devait être notre projet. Etant tous les deux fans de Rock progressif et de Métal, nous avons conçu Perkeros comme un concept album progressif : En incluant des styles variés (et parfois surprenants) et des éléments qui pourraient s’emboîter. Nous avons déniché beaucoup de documentation de fond allant des neurosciences à l’archéoacoustique et avons mêlé ça avec des faits réels, de la fiction, des fables et des légendes urbaines. Tout ça donne un assemblage amusant et j’encourage les lecteurs à prendre un peu de temps pour approfondir le livre et faire eux-mêmes un peu de recherche.
Perkeros 3Je crois que nous avons fini le scénario en 2010 avec KP mais j’avais besoin de me coltiner encore deux ans de travaux de commande pour dégager suffisamment de marge financière pour me consacrer à notre projet. La réalisation (découpage, encrage, mise en couleurs, édition) a pris environ un an et demi.

L’une des originalités de l’histoire réside dans les personnages. Pourquoi avoir choisi un ours comme batteur ou un (très) vieux beatnick comme bassiste ?
Ha ha ! Eh bien… Le casting initial était un peu plus ordinaire, mais les personnages se sont développés au fil de l’histoire. En définitive, il fallait que ça serve l’histoire et nous aurions aussi changé le genre musical si nous avions pensé qu’un autre aurait mieux collé.
Les personnages forment un panel étrange mais ils servent leur sujet. L’ours est là pour avertir le lecteur dès le début que le récit pourrait aller dans des directions peu orthodoxes. De plus, ils ont aussi une valeur symbolique. Si tu regardes des batteurs comme Neil Peart ou Danny Carey (NDR : batteurs virtuoses officiant respectivement au sein de Rush et de Tool), il est assez évident qu’ils ne sont pas humains. Ils ne peuvent pas l’être.
Pour le fun et pour mieux saisir l’intrigue, j’encourage le public à quelques lectures à propos de la glande pinéale et la mystique derrière ça. Cela sous-tend beaucoup de notions, comme l’hallucination, l’hibernation ou la télépathie. Et puis ça montre à quel point c’était un boulot de dingue de concevoir tout l’univers de Perkeros.

En utilisant des éléments fantastiques et un graphisme assez accessible, l’un des objectifs de Perkeros était-il de mieux faire comprendre le Métal au grand public ?
Oui, en partie, parce que de nombreux éléments sont là pour visualiser pourquoi les monstres etc. pouvaient être associés à la musique Métal et vice-versa. Cependant, Perkeros va au delà de ça. La musique, le Métal, le fait de composer et de faire partie d’un groupe… tout ça fait partie d’une sorte d’allégorie qui renvoie à une gamme plus large de thématiques. Nous ne voyons pas Perkeros strictement comme une BD Heavy Metal. Je connais beaucoup de fans du livre qui en fait ne s’intéressent pas au Métal. Et ça nous convient totalement.

Perkeros

Dessins : Jussi-Pekka Ahonen – Textes : KP Alare

Les gars du Nord, y font rien comme tout le monde. Je sais pas si c’est la rigueur de leur climat, les étendues glacées avec la neige à perte de vue, les forêts sombres comme l’âme d’un damné… Ça vient peut-être de leurs ascendances vikings et païennes, ce mélange de violence et de raffinement. Ça se traduit dans leur musique, particulièrement dans un style où ils sont passés maîtres, le Métal. Quand on écoute un de ces groupes de poètes, tout de cuir cloutés vêtus et maquillés comme des démons, mais des vrais qui font peur, éructer des chants gutturaux tout droit sortis des profondeurs de l’enfer sur fond de rythmique d’acier en fusion, martelée dans les forges de Thor, on se dit que ça doit pas être drôle tous les jours en Scandinavie.
Celle-ci tient la dragée haute aux Anglais et aux Américains en matière de Métal, notamment le Black, dont ses ressortissants constituent l’aristocratie du genre mais aussi dans les autres styles de cette musique à ne pas mettre entre des oreilles non averties. Et Dieu (oups, pardon, je voulais dire Satan) sait qu’il y a autant de styles de Métal que de poils sur la queue fourchue de Lucifer. Genres, sous genres avec variantes old school, néo et même bio. PPerkeros 1erso, j’ai un petit faible pour le Métal progressif. Un peu comme si Genesis jouait avec la disto à fond, une double grosse caisse, tandis que Gabriel ou Collins vociféreraient d’une voix rauque des textes sombres et dépressifs. Des groupes comme Dream Theater ou Opeth comptent parmi les meilleurs références du genre. Opeth justement, groupe suédois régulièrement cité dans cette histoire au long cours qui met en et sur scène un groupe de Métal finlandais, Perkeros.
Axel est un jeune et brillant guitariste et le compositeur du groupe. Son problème est double : D’abord une voix absolument pas à la hauteur de ses morceaux, une sorte de mélopée à base de borborygmes formant un méta-langage qu’il est le seul à comprendre. Ensuite, un trac phénoménal qui lui fait vomir tripes et boyaux avant les concerts. Mais comme tout véritable artiste, il a foi en ce qu’il fait et reste persuadé que son groupe va réussir à produire son premier album, trouver des dates de concert et finir par décoller. Ce qui n’est pas l’avis de sa compagne, jadis groupie de lycée mais qui voudrait bien qu’il fasse comme elle et rentre dans le rang en abandonnant ses rêves.
Jusque là, rien de très novateur en matière de récit Rock. Là où ça devient plus intéressant et intriguant, c’est le reste du line-up. Une claviériste, la (jolie) tête bien sur les épaules pour mettre de l’huile dans les rouages du groupe, canaliser Axel et l’extirper des affres de la création et d’un perfectionnisme qui le coupe souvent de la réalité. Un chanteur turc, tenancier de kebab. Un bassiste, sorte de vieux sage baba qui n’a pas du tout l’âge de ses artères (mais chut…) ayant bourlingué avec toutes les stars du Rock depuis les années 1960. Et enfin un batteur ours. Oui, un vrai ours, qui picole des litres de bière, tombe les gonzesses (le fantasme du fameux os pénien sans doute) et devient narcoleptique à l’approche de l’hiver. Le truc complètement saugrenu qui passe pourtant comme une lettre à la Poste.
C’est là une autre originalité de cette histoire : Réussir à mêler l’approche réaliste et quasi documentaire d’un groupe de Rock (les autePerkeros 2urs sont des zicos et ça se voit) et une trame fantastique, pourvoyeuse de son lot de monstres et autres malédictions ancestrales. Grâce à une narration bien menée qui plonge d’emblée le lecteur dans une ambiance onirique, baignée de musique, les transitions entre les deux mondes se faisant sans perturber la fluidité du récit, ce qui n’était pas évident. Même si elle emprunte à des thèmes assez classiques, l’intrigue tient la route jusqu’au bout, grâce également à de petites pointes d’humour et des personnages attachants et bien campés.
Côté graphique, un découpage très dynamique, une mise en couleurs sobre mais particulièrement efficace, dans les tons noirs et fauve parfaitement adaptés à l’univers Métal, mettent en valeur un dessin semi-réaliste, certes classique mais très maîtrisé, qui sert parfaitement le récit sans en réduire la portée. Une approche inspirée du Comics tendance Disney qui n’est pas sans évoquer le travail d’un Jeff Smith, le faciès énigmatique de l’Ours ayant un petit air de famille avec le mystérieux dragon de Bone.
Du bel ouvrage offrant une vision totalement crédible du monde merveilleux et enchanteur du Métal, et au delà delà d’un groupe de Rock en devenir. Le tout en illustrant dans de superbes fresques l’alchimie qui peut naître de la musique quand on s’y plonge corps et âme. Une salutaire entreprise d’édification des masses, entamée par MetaL ManiaX dans le registre comique, afin de familiariser, grâce à la BD, un large public (sans que ce soit péjoratif) aux subtilités et à l’authenticité d’un genre pratiqué par de vrais musiciens.

Bonus Track : 3 questions à JP AHONEN

One Model Nation

Dessins : Jim Rugg – Textes : Courtney Taylor Taylor

En 1977, environ, naissait le Punk anglais. Le DIY (allez, je suis sympa : Do It Yourself), l’anarchie dans la face de la Queen et le retour à un Rock pur et dur. Exit les vieilles rockstars bouffies et le progressif joué par des musicologues taciturnes, place aux révolutionnaires prolos, à crêtes et pinces à nourrice.
Oui, d’accord, mais 1977, ce n’est pas que ça. En Europe, commence à se révéler au grand public une nouvelle forme de musique qui a émergé depuis une dizaine d’années, une musique électronique, issue de machines, dont le mythique synthétiseur, à la technologie encore balbutiante mais qui permet déjà de créer des univers sonores totalement originaux. Les apôtres de cette nouvelle religion sont allemands et se nomment Tangerine Dream, Klaus Schulze et bien sûr Kraftwerk. Ils ouvriront la voie à toute une génération de musiciens électros qui encore aujourd’hui les citent en référence absolue.
One Model Nation1977, c’est aussi l’apogée outre Rhin d’un mouvement révolutionnaire d’extrême gauche qui passe de la parole aux actes et va commettre quelques attentats terroristes sanglants : La Fraction Armée Rouge, surnommée « La bande à Baader », du nom de son chef.
Courtney Taylor a porté longtemps en lui un récit qui ferait le lien entre ces deux mouvements. Bien qu’il soit leader des Dandy Wharols, dont la musique (appelons ça du Rock indé pour faire simple) n’a pas grand chose à voir avec le Krautrock, celui-ci a bercé son adolescence et constitue une influence qu’il revendique. Ainsi que l’expliquent très bien la préface et la postface du livre, il lui tenait à cœur de lui rendre hommage.
Même s’ils se produisent encore en marge des circuits officiels, Les One Model Nation sont un groupe dont la réputation commence à se répandre en Europe. Ils semblent promis à une grande carrière internationale. Le problème, c’est leur accointance avec le milieu révolutionnaire allemand. Gunnar, leur technicien, est un membre actif de la bande à Baader. En outre, Ulrike Meihnof, journaliste et elle aussi membre de la bande se trouve être la petite amie de Sebastian. Sauf que ce dernier, comme le reste du groupe, ne partage pas vraiment les idéaux de violence de ces relations encombrantes auxquels ils sont associés par les médias et la police et qui risquent de compromettre leur carrière musicale. Tous les ingrédients sont réunis pour que ces destins croisés se percutent dans des trajectoires convergentes mais inconciliables.
Le principal attrait du livre réside dans l’évocation de cette époque où, dans une Allemagne coupée en deux, foisonnaient de nouvelles formes d’expression musicale attirant des rockstars de tous poils en quête d’un nouveau souffle. Lou Reed, Iggy Pop et bien sûr David Bowie (sa fameuse trilogie berlinoise), qui apparaît dans le récit ainsi que Nina Hagen ou Klaus Nomi. One Model Nation (2)Les membres de One Model Nation font immanquablement penser à Kraftwerk, à commencer par leur uniforme. Cependant le groupe présente un profil plus Rock que son illustre modèle notamment par la présence occasionnelle d’une guitare et d’une batterie et une présence scénique beaucoup plus forte.
En revanche, l’intrigue est assez confuse et les scènes se succèdent sans véritable trame narrative. Les personnages étant présentés de manière assez succincte, quand ils le sont, on a du mal à s’y retrouver. Surtout, les thèmes du lien entre révolution musicale et révolution politique et de l’engagement de l’artiste sont traités sans véritable mise en perspective. S’il est un excellent song-writer, Courtney Taylor maîtrise beaucoup moins bien l’art du Story-Telling. Il semble s’être perdu dans son intrigue à l’instar de ses personnages qui subissent les événements sans comprendre vraiment ce qui leur arrive. Au final, le livre pose plus de questions qu’il n’apporte de réponses. Mais il mérite cependant le détour, par l’approche graphique, sobre et originale bien que parfois un peu raide, surtout dans les scènes d’action et aussi pour le regard personnel qu’il porte sur cette époque trouble et passionnante.

Bruno Rival à Rocking Angers

Ma tronche sur un plateau de télé pour causer encore et toujours de Rock et de BD. Merci encore à Sébastien de m’avoir invité et mes humbles et sincères excuses à tous les auteurs des BD dont je n’ai pu montrer les œuvres. Le top 5 que je présente ici, imposé par le format de l’émission, ne correspond pas forcément à mes cinq BD Rock favorites, même si elles en font partie. Il s’agissait de montrer un panel le plus varié possible de ce qu’est la BD Rock. J’ai dû choisir… et donc renoncer.

Bonus Track : Vincent BRUNNER

A propos de Rock Strips : 3 questions à Vincent BRUNNER

Comment est né le concept de Rock Strips ?
C’était un peu un projet rêvé de refaire l’histoire du Rock revue avec des auteurs de Bande Dessinée parce qu’il y en a beaucoup, dont Luz ou Berberian, qui parlaient de musique. L’idée était de revisiter l’histoire de manière chronologique. Dans le premier tome, on va de Little Richards à LCD Sound System et dans le second de Roy Orbinson aux Libertines. Chaque auteur pouvait partir dans tous les sens, que ce soit autobiographique ou juste une histoire autour de l’émotion procurée par une chanson ou encore un parti-pris très graphique, voire austère, comme a fait Morvandiau avec la reprise de Love In Vain par les Rolling Stones. Luz, pour LCD Sound System, c’était plus intime parce qu’il connaissait James Murphy. Certains sont partis dans une histoire avec une chute comme Appollo et Brüno autour d’AC/DC, c’est presque apocryphe. Et le miracle, c’est que les auteurs ont suivi et que l’on a réussi à couvrir plusieurs décennies, on va des années 1950 jusqu’aux 2000, de manière assez cohérente avec des musiciens parfois culte mais pas grand public et d’autres beaucoup plus connus. Voilà, au départ c’était un fantasme, l’éditrice a dit Banco et puis les auteurs ont répondu présent.

Comment s’est fait le choix entre les auteurs d’une part et les groupes ou artistes de Rock présents dans Rock Strips, d’autre part ?
Pour les auteurs, j’avais fait une liste de 70 noms, pour qu’on soit, je dirais, dans les clous. Je m’étais quand même assuré à la base que Luz fasse partie de l’aventure, ce qui était vraiment un des conditions sine qua non… s’adressant à Luz qui se bidonne : Bien sûr, j’te l’ai déjà dit, tu le sais, arrête, mais c’est vrai (rires) ! Si le projet ne lui avait pas plu, je me serais quand même posé des questions. A partir du moment où Luz était OK, Berberian aussi, après il y a plein d’auteurs que Luz connaît, toute la bande, Jean-Christophe Menu, Killofer… L’idée de base étant qu’ils aient tous carte blanche. Et je me suis rendu compte que, sans que ce soit à proprement parler une attente des auteurs de bande dessinée, ça les branchait de dire « tiens, quel est mon groupe préféré ? » car la demande était : «Empare-toi de ton groupe préféré et raconte ce que tu veux ». Je me rappelle, Mathieu Sapin sur les White Stripes, je lui ai envoyé un mail un soir et il m’a répondu favorablement une demi-heure après… Pour Jean-Christophe Menu, on a eu un échange de mails, je lui ai d’abord proposé Neil Young, il m’a dit « Non, j’en ai déjà parlé. Les Sex Pistols ? Ah ouais, là d’accord.. ». Il s’est passé quelque chose, certains auteurs en ont parlé à d’autres… Par exemple pour le deuxième tome, j’ai su par Serge Clerc que Loustal aurait bien aimé être dans le premier… Il y vraiment eu un effet boule de neige.
En ce qui concerne les groupes choisis, l’idée c’était qu’ils soient importants, il ne s’agissait pas de parler du groupe préféré que personne ne connaît. C’est pour ça que dans le premier tome, il y a les Rolling Stones, les Beatles, etc. et dans Rock Strips Come Back, on a fait la suite pour justement mettre ceux qui n’avaient pas été traités dans le premier, genre Dylan. C’est pour ça qu’il n’y a pas non plus beaucoup de Rock français.

Quels point communs vois-tu entre Rock et BD ?
Historiquement c’étaient des choses qui appartenaient à la contre-culture. Quand la bande dessinée adulte a commencé dans les années 1960, c’était contestataire comme le Rock. Le point commun au départ, il est là. J’étais très fan de Métal Hurlant qui était porteur de l’esthétique Rock. C’est pour ça qu’il y a dans Rock Strips des auteurs comme Serge Clerc ou Luc Cornillon. Maintenant, Rock et BD sont tous les deux devenus des industries, le cri primal s’est un peu noyé dans la masse, le Rock’n roll n’est plus vraiment une musique de rebelles. Tout le monde peut dire « ah ben tiens maintenant, je vais faire un album de Rock’n Roll ». Un autre point commun est le fait qu’il y ait de plus en plus de nanas dans le Rock et la BD même si certains nous ont dit qu’il y avait peu d’artistes féminins dans Rock Strips. Il y a PJ Harvey, The Gossip, Debbie Harry… mais je suis sûr que si on le refaisait dans dix ans, il y en aurait encore plus. Si tu regardes l’histoire du Rock’n Roll, il y a dix ans, il y a eu un revival avec les Strokes ou les White Stripes, après la Techno qui comme la « Nouvelle BD » avait apporté quelque chose de plus pointu, un peu comme Luz ou les auteurs de l’Association qui sont aussi très fans de Rock et qui ont contribué à l’histoire de la Bande Dessinée. Je pense que les auteurs de Rock Strips sont les plus rock’n roll du monde de la bande dessinée.

Bonus Track : Julien/Cdm

A propos de The Zumbies, 3 questions à JULIEN/CDM

Quelle est la formule satanique qui vous a permis à Lindingre et toi de faire revenir à la vie ces quatre décharnés Rock’n Roll ?
La formule satanique ? C’est Ramones meet Romero. Je jure que c’est comme ça que je l’ai présenté à Yan Lindingre à l’époque où j’en bavais sur le scénario et où je lui ai demandé s’il pouvait me donner un coup de main. Il m’a dit « C’est quoi le pitch ?» et je lui ai répondu ça. A partir de là, tout est possible. On a discuté un peu plus quand même, sur les développements, combien ils étaient… Le groupe, je l’avais déjà créé pour une série de tee-shirts pour une boîte qui s’appelle Goéland avec qui je bosse depuis des années. Je les ai donc trouvés visuellement tout seul et après j’ai eu envie des les faire vivre parce qu’ils m’éclataient. Mais j’en chiais avec le scénar, comme d’habitude. J’ai fait appel à Yan parce que je savais qu’on avait les mêmes centres d’intérêt culturellement, moi plutôt cinoche et lui un peu plus pointu que moi sur les Cramps, les Ramones, des trucs comme ça. On a confronté tout ça et c’est comme ça que c’est né, tout simplement.

Zumbie bassisteSi on écoute bien entre les cases, les Zumbies, ça sonne comme quoi ou comme qui ?
Les références, elles sont un peu dedans déjà. Ça peut être Link Wray, Hasil Adkins, les Cramps, du Punk anglais, un peu dandy parce qu’ils sont en costard… ça sonne sale, ça sonne Bayou, on est entre l’Angleterre et les Etats-Unis. C’est un gros mix de tout ça. Chaque musicien a sa petite danseuse musicale mais on est sur les Cramps essentiellement avec cette envie qu’ils avaient eux aussi de puiser dans un héritage musical qui allait du Blues au Surf, au Punk, à la musique de film… Le chanteur, Lux Interior, était un fou de cinoche de genre, de série B. On est assez fidèles à cet univers et musicalement ça sonne un peu comme ça.

Quelles sont les références cinématographiques ou graphiques qui inspirent plus particulièrement l’esthétique des Zumbies ?
Je suis dans la pire des positions pour répondre à cette question parce que c’est dur de dire soi-même à quoi on fait allusion tellement c’est intériorisé. Évidement que par rapport à une série comme Cosmik Roger, changement de technique, changement de format. Moi mon truc, c’était de mettre plus de noir, de travailler plus au pinceau, avec un encrage plus à l’anglo-saxonne. Les références sont à prendre au second degré, sans se comparer du tout à eux, sur du Will Eisner, du Milton Caniff, avec des noirs et blancs beaucoup plus francs. Je voulais que les planches fonctionnent en noir et blanc sans qu’on ait besoin de mettre de couleur. La couleur, c’est une sorte de bichromie avec des trames, en référence au Pulp, aux trucs mal imprimés de la presse magazine en souple américaine, un papier un peu jaune… L’influence, elle est clairement plus anglo-saxonne, ne serait-ce que par les choix d’outils et de technique. Après, quand tu as ce type de références en tête, ça peut être totalement bloquant parce que c’est du lourd, c’est du génie et donc évidemment, tu fais ta sauce avec tes qualités et tes faiblesses. Il fallait trouver une sorte de classe, moins cartoon que dans Cosmik Roger, il y a moins de gros nez, on est plus sur du semi-réaliste avec une vraie ambiance, plus noire, plus obscure, tout en gardant des giclées délirantes en contrepoint.

Bonus Track : Derf Backderf

A propos de Punk Rock & Mobile Homes, 3 questions à Derf BACKDERF

Quelle est la part autobiographique dans le récit ? Notamment, le personnage du Baron est-il inspiré d’une personne réelle et les anecdotes de concert sont-elles inspirées de ta propre expérience ?
Tout est fictif, mais j’étais un punk rocker à Akron à l’époque où se déroule le livre. Donc c’est basé sur mes propres expériences, au club The Bank. Le Baron, lui, est totalement inventé, il est juste sorti … pouf…  de quelque part, et il était là. Il m’est venu d’un seul trait. Quant aux concerts, ils sont presque tous basés sur ma propre expérience. Oui, comme les Plasmatics, l’année ou ils ont été arrêtés, ça s’est passé à Cleveland (NDR : la capitale de l’Ohio et dont Akron est la banlieue). Le concert des Ramones, où Otto se prends un coup de pied dans la tête, cela m’est aussi arrivé. Donc, oui, tout est vrai.

Ton dessin est très original et on pourrait le qualifier de dessin Punk par son côté très caricatural et peu académique. Comment as-tu trouvé ce style et quelles sont tes influences ?
Joey Ramone par DerfComment j’ai trouvé mon style… Whouuuf, eh bien… j’ai travaillé dur, tu sais, j’ai toujours chercher à faire quelque chose de différent. Mes influences, c’est comme d’habitude, Mad Magazine, Crumb, ce genre de choses, mais c’était il y a très très longtemps. Et tu sais, je suis peut-être « mauvais », mais personne ne dessine comme moi, personne n’écrit comme moi, donc je suis content par rapport à ça.

Comment le livre a-t-il été accueilli aux États-Unis, tant dans le milieu Rock que par les autorités religieuses ?
Les autorités religieuses? Ah ah Ah ! Je n’ai rien entendu de la part des Autorités religieuses. Sinon, c’est du punk Rock dans un milieu rock, et tous les punk rockers d’Akron ont beaucoup aimé. Je connais la plupart de ces gars, donc oui, ils étaient plutôt heureux que cela ait été fait. Et c’était une bonne chose de réaliser ce document à propos de cette époque et de cet endroit, car tout ça avait pour ainsi dire été oublié.

Merci à Amélie Boiron pour la traduction !

Punk Rock & Mobile Homes

Dessins et scénario : Derf BACKDERF

C’était dans une librairie du quartier Saint Michel, des lieux comme on en fait plus, où des piles de bouquins défient les lois de l’équilibre, où la largeur entre les rayonnages permet tout juste aux visiteurs de se mouvoir de profil en rentrant le ventre mais sans bomber le torse, surchargés pondéraux s’abstenir. Dès qu’on est plus de trois, c’est le carré magique, il faut qu’il y en ait un qui se déplace pour qu’un autre puisse bouger. Le regard se perd parmi ces milliers de livres qui semblent n’être là pour personne, juste pour combler l’espace.
« Est-ce que vous avez une BD sur le thème du Rock ? » finis-je par demander au maître des lieux, un type un peu taciturne qui me répond du tac au tac : « Du Rock ? J’ai pas grand chose… Attendez… Paaardon ». La maigre silhouette (bien obligé, c’est le patron) se faufile entre deux rayonnages, jette un bref coup d’œil au mur de bouquins sur la droite, avise une pile sur le sol, dont il soulève les vingt premières briques et extirpe une BD brochée format Comics. « Tenez, j’ai que ça, c’est en anglais… je l’ai rentré cette semaine.» Punk Rock Mobile Homes 1Je feuillette l’opus, le graphisme est surprenant, un noir et blanc peu académique, avec des décors, assez approximatifs et des tronches ultra caricaturales, ça ne ressemble à rien de ce que j’ai déjà vu. Du papier bas de gamme, des pages mal coupées, ça fait penser à un fanzine, mais les trognes sont marrantes et très expressives, ça fourmille de détails et surtout je repère les Ramones, les Clash et des scènes de pogos. Avec un dico, je devrais arriver à m’en sortir. « C’est combien ? demandai-je… Ah ouais quand même… et vous prenez pas la carte ? »
Je n’ai pas eu besoin de dico… ni pour savourer les dialogues de Punk Rock and Trailers Park (Mobile Homes in french) ni pour comprendre qu’il s’agissait là de l’une des meilleurs BD jamais réalisées sur le Rock. D’autant que ce récit publié en 2004 vient (enfin) d’être traduit en français. Akron, dans l’Ohio, compte à peine plus de 200 000 habitants, même pas la capitale de l’État. On y fabrique une grosse partie des pneus produits aux U.S.A. Pas de quoi rêver. Et pourtant, à la fin des années 1970 et au début des années 1980, Akron abrita une salle de concert mythique nommée The Bank, un immeuble de brique rose de sept étages, assez cossu (destination originelle oblige). D’abord club de jazz, le patron réalisa que le Punk attirait bien plus de monde et assurait une chiffre d’affaires en bière autrement plus rémunérateur. Seul groupe vraiment connu originaire d’Akron, Devo fut parmi les premiers pensionnaires. Mais d’autres encore plus prestigieux allaient le suivre. The Clash, les Ramones, Ian Dury, les Plasmatics, Klaus Nomi… Pendant une poignée d’année, The Bank sera l’une des places to be de la scène Punk. Derf fait revivre cette époque glorieuse, sans nostalgie niaiseuse, à travers une fiction qui fleure bon le Teen Spirit. Et pour l’occasion crée un de ces personnages improbables et hauts en couleurs, comme seule l’imagerie rock’n roll est capable d’en produire.
Otto est un grand binoclard qui se fait appeler le Baron. Un mec hors norme qui glandouille au lycée et habite avec son oncle dans une caravane. Il conduit une vieille Ford Cougar de 1968, au plancher défoncé et au volant minuscule. Ses double foyer, ses rouflaquettes et son inamovible sourire le distinguent immédiatement du reste de ses congénères. Otto est un proto geek d’avant les jeux vidéos, amateur de SF et de Fantasy (il cite Tolkien à tout bout de champ), un weirdo qui enregistre ses pets et même s’il joue du trombone dans la fanfare du Lycée, c’est un grand fan de Punk. Et comme il est fort bien doté de cette dose d’inconscience et d’anormalité que possèdent tous ceux qui vivent dans leur monde sans se soucier de ce que pensent les autres, il ne se laisse jamais démonter, sauf peut-être quand la belle et inaccessible Teri daigne lui adresser la parole.
Punk Rock Mobile Homes 2Otto découvre The Bank et ne va pas tarder à en devenir la figure de proue, le factotum qui sert les bières au bar et assure l’intendance des groupes invités. Ce qui donne lieu à des scènes d’anthologie, comme une dégustation de burgers avec les Ramones ou une partie de bowling avec les Clash et Lester Bangs, le célèbre journaliste Rock. L’auteur en profite pour égratigner au passage le Hard Rock FM qui régnait alors sur les ondes et dans les stades tandis que les icônes Punk écumaient des clubs tels que The Bank. Mais aujourd’hui, qui connaît encore Journey ?
Fort logiquement, la personnalité du Baron va le conduire à monter à son tour sur les planches en devenant le chanteur d’un groupe local, histoire d’alimenter sa légende.
Hormis le Baron, Derf met également en scène de nombreux personnages secondaires qui renforcent l’originalité et l’humour déjanté du livre, comme cette catho militante et nymphomane (et enceinte !) ou cet oncle alcoolique qui ne se déplace qu’en motoculteur.
Le Sexe et le Rock occupent une place centrale (pas besoin de drogue, le Baron étant suffisamment allumé comme ça) de ce récit dense et drolatique. Backderf décline en BD l’idéal du Do It Yourself, en créant son propre univers graphique, libéré des codes et évoque de la meilleure façon qui soit la grande et météorique époque du Punk et de quelques-uns de ses groupes culte mais aussi le rêve adolescent, pas forcément incompatible avec le grand rêve américain. Si je devais conseiller un livre pour expliquer aux non initiés ce qui peut bien pousser des adolescents à se jeter à corps perdus dans le binaire primaire et quelle satisfaction ils peuvent trouver à s’empoigner comme des barjots pendant les concerts, Punk Rock & Mobile Homes me semble la meilleure référence car Backderf excelle à restituer la frénésie collective du public Punk galvanisé par l’énergie des groupes sur scène. C’est avec un brin de mélancolie qu’on laissera le Baron, tel un cow-boy solitaire, partir vers son sublime destin au volant de sa caisse pourrie… ah merde, je viens de raconter la fin ! Punk’s not dead, for sure !

Bonus Track : 3 questions à Derf BACKDERF

Le cinquième Beatles – L’histoire de Brian Epstein

Dessins : Andrew C. Robinson (+ Kyle Baker) - Textes : Vivek J. Tiwary

Le titre est accrocheur et en soi lourd de polémiques. Car enfin, assigner à un simple manager la distinction réservée aux membres d’un groupe de Rock, n’est ce pas y aller un peu fort, surtout quand il s’agit du plus grand groupe de l’histoire ? Stuart Stutcliffe et Pete Best ont eux vraiment fait partie des Beatles. Le premier les a quittés de son plein gré pour Astrid Kirchherr, la belle Allemande à qui au passage les Beatles doivent leur magnifique coupe à la Française inspirée de la nouvelle vague et le second s’est (mal)proprement fait lourder, à cause, selon la rumeur, de son trop joli minois qui faisait de l’ombre aux autres. Même des sparring partners encore plus fugaces comme Jimmy Nicol qui a remplacé Ringo Starr pour une poignée de concerts ou Billy Preston qui a tenu le clavier pendant tout l’enregistrement de Let it be (une belle carte de visite que le sieur a bien exploité par la suite) pourraient revendiquer le titre.
Alors pourquoi Brian Epstein, ce jeune anglais poli et courtois, toujours tiré à quatre épingles, aussi effacé que ses quatre poulains étaient exubérants et gouailleurs, mériterait-il ce suprême honneur ?Le Cinquième Beatles ; Robinbson - Baker © Dargaud, 2013
Simplement parce que Brian Epstein a FAIT les Beatles. Tout le monde s’accorde à reconnaître le rôle majeur joué par ce jeune homme raffiné, issu d’une bonne famille bourgeoise, dans la carrière de ces p’tits gars prolos de Liverpool avec qui il avait si peu en commun. Mais le plus souvent, comme pour tous ceux à qui l’on affuble le rôle d’éminence grise ou d’homme de l’ombre, il y a toujours un brin de condescendance, voire de mépris. Après tout, ces quatre là étaient tellement géniaux qu’ils auraient de toute façon fini par devenir ce qu’ils sont ? Grossière erreur qui méritait une antithèse cinglante. Que voici que voilà, en images et en couleurs grâce à cet ouvrage concocté par une fine équipe de créateurs américains, deux dessinateurs de Comics chevronnés et réputés et un scénariste producteur de théâtre, de cinéma et de télévision qui pour passer le temps signe ici son premier bouquin. Il fallait bien ça pour rendre ce vibrant hommage à Brian Epstein.
Et c’est bien de lui qu’il est question, l’opus évitant le piège de parler surtout des Beatles et de passer à côté du sujet. Car Epstein était lui aussi un personnage hors du commun, un jeune visionnaire qui détecta d’emblée l’immense potentiel que recelaient ses futurs poulains et qui sut qu’ils pouvaient devenir grands, plus grands qu’Elvis et plus encore. Lennon se chargera de la métaphore christique mais s’il put se permettre de déclencher la polémique, c’est bien parce que leur mentor avait fait le boulot.
Le récit échappe également au deuxième écueil d’un biopic qui consiste à faire une narration linéaire et didactique. Les auteurs se sont focalisés sur les grandes étapes de la vie d’Epstein, limitant les repères chronologiques au minimum syndical pour mieux se concentrer sur la psychologie et la personnalité du héros. Romantique, visionnaire certes mais doté par ailleurs d’un pragmatisme et d’une opiniâtreté sans faille au service d’une énorme ambition. Un être profondément seul et complexé également ; artiste contrarié, homosexuel, ce qui n’avait rien d’évident dans les Sixties en Angleterre, contrairement aux clichés d’aujourd’hui sur ce supposé âge d’or de la coolitude. En se concentrant sur ces quelques éléments, éludant sans doute les défauts du bonhomme, si ce n’est son addiction pour les petites pilules qui rendent moins malheureux,  le livre offre quelques moments d’anthologie où l’allégorie prend le pas sur la pure vérité historique. La négociation avec Ed Sullivan pour ouvrir la porte des States, le talk-show télévisé à la BBC, ou la mort, dans la réalité par overdose de barbituriques, ici dépeinte comme une lente agonie annonçant la fin des Beatles qui ne survivront pas longtemps à la disparition de leur pygmalion. Et en point d’orgue, le repas avec le Colonel Parker, le manager d’Elvis, où les deux hommes se livrent à une passe d’armes sur la conception de leur métier, saisissante opposition de styles qui résume à elle seule la philosophie du management d’artistes. Cinquième Beatles2  ; Robinbson - Baker
Le graphisme est quant à lui classieux et flamboyant, trait élégant, somptueuse mise en couleurs directes. Les Beatles sont fidèlement reproduits, sans être caricaturés ni platement reproduits. Une démarche originale et personnelle qui n’est pas sans rappeler celle adoptée dans un autre biopic, Jimi Hendrix la légende du Voodoo Child, la référence absolue dans le domaine.
2013 avait très bien débuté avec la sortie de Liverfool, consacré à Allan Williams, le premier manager des Beatles, et se clôt magnifiquement par la biographie de son successeur. Du franco-belge, du Comics… le prochain parlera peut-être de George Martin… un manga en 20 tomes… j’ai hâte !

LUZ – Interview

Nombre de dessinateurs de BD sont de grands amateurs de Rock et certains ne ratent pas une occasion d’en mettre dans leurs dessins. Luz, quand il ne croque pas (férocement) l’actualité dans Charlie Hebdo, fait partie de ceux-là. Fréquemment fourré dans les salles de concerts, il en retranscrit, de son trait vif et spontané, l’atmosphère et l’électricité, tant sur la scène, que du point de vue du public. Comme si ça ne suffisait pas, il n’hésite pas à faire le DJ dans de folles soirées où le dancefloor devient vite incandescent. Vu qu’en plus, il n’aime vraiment pas la chanson française, cela faisait tout plein de raisons pour converser avec ce raide dingue de musique.

Tu as abandonné de prometteuses études de droit pour te lancer dans le dessin de presse et la BD… aucun regret ?
Aucun ! Je fréquente moins de connards et j’ai la possibilité à Charlie Hebdo de parler des connards que je fréquentais en Fac de droit. C’est ça l’avantage, c’est un peu ma vengeance ultime (rires) ! Ce sont les études qui m’ont le plus formé, politiquement et aux lecteurs du Figaro.

As-tu une approche spécifique de ton travail quand tu fais de la BD par rapport au dessin de presse ?
Je pense que oui. Il y a déjà un aspect technique. En dessin de presse, on est obligé de raconter une histoire en une seule case. Mais le point commun avec la BD, c’est que j’essaie de toute façon de raconter une histoire. Qu’il y ait un dessin à charge ou un dessin d’affiche, on doit imaginer qu’il y a un avant et un après. La grosse différence, c’est dans l’ellipse. La BD me permet de creuser l’histoire en tant que telle et de dessiner le contre-champ.

Quand tu vas voir un concert, tu emmènes systématiquement ton carnet à dessin ? Systématiquement. Même si je ne l’utilise pas, il est dans ma poche. C’est très très rare que je n’aie pas un carnet de dessin avec moi. Peut-être qu’il neLuz - Interview 1 va rien se passer dans le concert mais ne serait-ce que le trajet pour y aller ou le moment passé dans un bar avant ou après… l’histoire d’un concert se raconte aussi périphériquement au concert proprement dit.

Dans l’agitation du concert, la pénombre de la salle et si tu bouges aussi frénétiquement que tu le décris dans Claudiquant sur le Dancefloor, c’est pas trop galère de crobarder ?
Il suffit de s’entraîner (rires). J’ai l’habitude de dire que si je fais un dessin hyper chiadé, ça veut dire que le concert a été chiant, qu’il ne s’est rien passé, qu’il n’y a pas eu d’intervention de l’extérieur. J’aime bien quand le hasard intervient dans mon travail. Par exemple si un concert bouge, notamment avec un pogo, le travail va être un peu bousculé. Si à un moment donné, je suis en toute fin de festival, un peu fatigué, c’est à ce moment là que l’inconscient du dessinateur surgit. Les errances qu’on peut avoir dans le concert ou un festival doivent se retrouver dans le dessin. J’essaie de faire en sorte qu’elles agissent librement sur moi.

Comment est venue l’idée du concept Trois premiers morceaux sans flash où tes dessins se mêlent aux clichés de concerts pris par Stéphanie Meylan (Stefmel) ?
L’idée est venue ensemble, lors d’un concert de Bashung où on a, moi dessiné et elle photographié le même concert. On s’est échangé nos matériels et on a remarqué que pour le coup, en un cliché et en un dessin, on avait raconté une histoire identique, sous un angle différent et que peut-être nos histoires intimes étaient complémentaires. C’est ça qui nous a donné envie de pousser la complémentarité jusqu’à entrelacer nos deux « arts ». Et dans cette complémentarité, on arrivait exactement à exprimer ce que l’on vit en concert. C’est à dire, dans la proximité par la photo et l’énergie éloignée par rapport au dessin. L’intimité et la sourde énergie que l’on peut vivre pendant le concert. On s’est dit finalement qu’il fallait ces deux arts pour circonscrire ce qu’était vraiment le concert pour n’importe qui et en même temps restituer le ressenti de la personne qui, soit a vécu le concert, soit aurait voulu le vivre. A la fin, ça reste ouvert parce qu’on n’a pas la musique. Le truc obsessionnel pour moi c’est comment traduire la musique quand on ne l’écoute pas.

A l’instar de The Joke, dédié à The Fall et à Mark E. Smith son irascible leader, aimerais-tu réaliser d’autre biopics-hommages consacrés à des groupes ou artistes ?
Non, pas spécialement. Ce qui était intéressant quand j’ai commencé à dessiner sur The Fall c’est que j’avais une espèce de monomanie très orientée sur la fanitude. C’était plus le rapport avec ça qui m’intéressait que The Fall en lui-même. Je n’ai plus autant de monomanie sur un seul artiste même s’il y a des artistes qui me traversent complètement comme, même si c’est classique voire bateau, quelqu’un comme Bowie qui a accompagné toute mon histoire. Je ne me vois plus tellement faire ça parce que tout bêtement je l’ai déjà fait (rires). Après effectivement, je pourrais travailler sur Bowie ou d’autres artistes. J’ai fait quelques pages sur mon rapport à LCD SOUNDSYSTEM et comment on arrive à se positionner comme un fan mais aussi comme un ami de quelqu’un qu’on admire (NDR : James Murphy, le fondateur de LCD SOUNDSYSTEM) mais je ne pourrais pas faire un bouquin là-dessus, ce serait plutôt un flash à un moment donné. Par contre sur la musique en tant que telle, le travail n’est pas fini. D’une certaine manière, si « Grand Œuvre » il y a du rapport avec la musique, il est tellement tentaculaire qu’un seul bouquin n’y suffit pas du tout (rires).

Accepterais-tu de dessiner une pochette de disque ? On te l’a déjà proposé ?
J’ai déjà fait des pochettes de disques pour les Bérurier Noir, à l’époque où ils avaient sorti des remixes électro… des maxis et un album (NDR : Le Manifeste électronique). J’ai également dessiné un poster pour un 45 tours de LCD SOUNDSYSTEM, Tribulations. Mais de toute façon je vais être obligé d’en dessiner encore car j’ai fait un duo avec un DJ suisse, Kid Chocolat, ça s’appelle The Scribblers, produit par Rubin Steiner et à part chanter et écrire les paroles, je m’occupe aussi de l’Artwork, et donc je ferai la couverture si un jour on arrive à sortir cet album.

Et concevoir un récit de pure fiction ?
C’est ce que je suis en train de faire dans mon coin (rires). Je suis très admiratif des gens qui fabriquent totalement un univers à partir de rien. Moi, j’ai besoin de m’appuyer sur la réalité pour trouver mon propre univers. Le travail de fiction que je suis en train de faire traite d’un chien vampire qui déambule dans le cimetière des chiens d’Asnières. Ça part de ma fascination pour ce cimetière et je me suis dit que j’allais faire un récit sans paroles sur un chien qui n’a pas conscience d’être un vampire et qui utilise le cimetière comme un terrain de jeu.

Comment passe-t-on de la planche à dessin aux platines derrière lesquelles il t’arrive souvent de faire le DJ ?
Luz - Interview 3C’est assez simple. Quand on est dessinateur, on écoute beaucoup de musique parce que le dessin ne suffit pas à combler le vide du moment, en tout cas en ce qui me concerne. On engrange énormément d’informations musicales et au bout d’un temps on a envie de le faire partager. Le meilleur moyen de piéger les gens en faisant ça, c’est de passer soi-même les morceaux dans une soirée, plutôt que d’inviter les gens chez soi (rires). C’est devenu assez naturel, tout bêtement parce qu’on me disait : « t’écoutes beaucoup de musique, tu t’y intéresse énormément, ça te dirait pas de passer des disques ? » et comme n’importe quel tocard je me suis pris au jeu. Il n’y a rien de plus simple que de passer un disque puis un autre puis un autre et en même temps c’est un lien très direct avec le fait d’aimer raconter des histoires. Si on les raconte avec le dessin, on peut avoir envie de les raconter en musique et pour pouvoir lier dans un mix les histoires que les artistes racontent en musique. Ce qui est intéressant c’est de créer une histoire commune avec les gens qui sont présents dans un lieu et d’essayer d’avancer ensemble sur un dancefloor. Le dancefloor, ça peut-être aussi une page blanche.

Quand tu fais le DJ, tu as une play-list et des enchaînements planifiés ou bien tu improvises en fonction du contexte ou de la réceptivité du public ?
J’improvise en fonction du contexte. Après, on a tous quelques recettes. Je sais très bien que tel morceau des Yarbirds fonctionne merveilleusement avec tel morceau de Saul Williams parce qu’il y a une espèce de co-lignage inconscient entre les deux. Je fais partie de ceux qui se ramènent avec énormément de matériel pour pouvoir justement naviguer au gré de mes propres envies et au gré des réactions des gens parce qu’ils sont différents et que je ne sais pas comment le même disque passé la veille sera reçu le lendemain parce que les gens seront d’une une humeur différente et que moi-même j’aurai une humeur différente. Il vaut mieux improviser et se baser sur cette réalité de l’instant, de l’humeur des gens, de la taille du lieu, de ce qu’on a mangé ou de la soirée qu’on a passée avant, des gens qu’on aura rencontrés sur place. Quelqu’un qui a déjà une play-list avant de mixer n’a à mon avis rien compris à la musique (rires).

D’où vient cette aversion viscérale pour la bonne ritournelle bien de chez nous ? Traumatisme de la petite enfance, militantisme musical ou bien un goût immodéré pour la provocation ?
C’est juste une terreur qui a commencé en 2005, 2006 où justement cette nouvelle scène de la chanson française s’imposait de plus en plus autour de moi, à la radio au restaurant, chez les copains… Tout d’un coup, je me suis dit « mais qu’est-ce que c’est que ça, je fréquente des gens qui ont du goût et qui écoutent des choses qui sont très très fades ». Et puis voilà, je me suis énervé tout seul dans mon coin. Je me suis dit que ça n’intéresserait personne et finalement ça a permis à pas mal de gens de se compter autour de cette… je dirais pas haine mais de ce rejet un peu viscéral de la chanson française qu’éprouve une majorité de gens qui écoutent de la musique. C’était juste un énervement personnel qui est devenu un point commun avec quelques milliers de personnes (rires). Je n’ai pas été traumatisé dans mon enfance. Ma mère écoutait Bowie ou Brel et mon père du Blues et du Rythm’ and Blues comme John Lee Hooker, Big Bill Broonzy et aussi les Stones et Bowie. C’était un terrain vierge : A la différence des Anglais qui ont l’habitude de se moquer des trucs Kleenex, de ce type de Pop Rock bas de gamme et d’être assez Luz - Interview 2honnêtes avec leur propre évolution du ressenti musical, nous en France, on considère que chaque chose qui sort, chaque nouvel artiste français est un poète absolu qui rentre dans l’histoire. En Angleterre et aux États-Unis, la musique est fluctuante, elle n’est pas figée dans le béton armé de l’histoire musicale et je trouvais que c’était plutôt pas mal de moquer cette prétention française. J’ai sorti deux bouquins là-dessus. Le premier était énervé et vachement dans le ressenti de ce que je vivais de cette déferlante. Je ne pensais pas que j’allais faire un tome 2 mais comme ces mecs là étaient tombés quelques années plus tard dans un côté très People, cette fois, je me suis attaché aux personnages mêmes, à leurs bagarres internes, au côté ultra ridicule de leur posture. Mais bon, voilà, ça va, c’est fini, j’ai plus besoin d’y revenir (rires).

A l’inverse de la chanson française, tes goûts pencheraient plutôt vers le Punk, l’Electro et de manière générale, toutes les formes de musique en marge ou contestataire…
Je préfère dire « en marge ». C’est pas parce qu’un groupe est contestataire qu’il fait de la bonne musique. Il peut-être contestataire par rapport au Mainstream musical, même par rapport au Mainstream Rock ou Indé, à toutes ces choses là. La musique qui m’intéresse, c’est celle qu’on n’arrive pas à saisir d’une seule écoute, ça, ça m’intéresse vraiment !

Finalement, c’est assez cohérent avec le fait d’être à Charlie Hebdo, et cette façon d’aborder les choses ou de présenter les choses, en dehors du Mainstream journalistique…
Je ne dirais pas que c’est aller contre le consensus, parce qu’on a plutôt envie d’être dans le consensus, d’être d’accord avec les gens, de pas se fâcher avec eux. Mais quand la majorité pense de la merde, écoute de la merde ou regarde de la merde, on a juste envie de dire, y’a peut-être quelque chose à regarder par ailleurs mais ce n’est pas forcément monter sur un tabouret et raconter la vérité, c’est juste faire ce que Gébé faisait, c’est à dire montrer qu’il peut exister autre chose, qu’on peut penser autre chose, vivre autre chose. C’est juste donner une proposition, essayer de regarder ailleurs. Je ne suis pas en guerre ou dans une situation de rebelle. Peut-être que si chez Drucker on passait de la musique de drones ou du Hardcore, je trouverais ça absolument à chier et je me rabattrais sur Bénabar (rires).

Quels points communs vois-tu entre Rock et BD ?
Le premier des points communs est lié à l’adolescence. La Bande Dessinée est un peu plus liée à l’enfance et le Rock à l’adolescence. Il y a une sorte de glissement naturel entre les deux. Quand on est adulte on n’a pas envie de perdre ni son enfance ni son adolescence. Le point commun, il est dans l’idée qu’on n’a pas forcément envie d’être des gens responsables. Ce qui n’empêche pas que l’on puisse trouver du Mainstream dans les deux genres, de l’excellent comme de l’horrible. Il y a une grosse différence quand même, c’est que dans le Rock il y a quelque chose de communautaire, un désir d’aller vers l’autre, en tout cas pour ceux qui font de la musique, pour pécho de la Meuf par exemple. Dans la BD, c’est très individualiste, j’ai un monde, tu rentres dans mon monde… Il n’y a rien de pire que d’aller dans un festival de BD. Je préfère aller dans un festival de musique, les gens sont beaucoup moins monomaniaques.

Penses-tu qu’il existe une forme de graphisme Rock ?
Non, je ne crois pas. On peut parler de Rock avec un trait classique. Par exemple, Margerin a parlé énormément de Rock et en même temps, c’est pas un dessinateur Rock’n Roll en tant que tel. Vuillemin est plus un dessinateur Rock’n Roll d’une certaine manière. Je ne sais pas si de ce point de vue là, c’est vraiment adaptable. Ce sont deux choses très différentes. La BD permet d’expliciter le Rock’n Roll par contre le Rock’n Roll ne permet pas d’exprimer la Bande Dessinée (rires). Mais j’ai peut-être tort, je ne me suis pas réellement penché sur la question.

Quels sont les auteurs de BD qui ont pu t’influencer dans ton travail ?
Beaucoup trop. Au départ, c’était le journal de Mickey et puis du journal de Mickey on finit par Robert Crumb. C’est très difficile parce que, comme en musique, les influen-    cIGGY POP par Luzes sont tellement larges, éclectiques, elles n’ont pas forcément de logique, ça dépend plus de son histoire intime que de véritables choix. Si je suis aussi éclectique en musique, c’est probablement parce que je le suis également en BD mais pas uniquement. On m’a déjà proposé de faire des émissions de radio sur la BD mais ça m’emmerde. Je ne suis pas tant fasciné que ça par la BD. Je suis un dessinateur de BD mais ce n’est pas mon centre d’intérêt principal, c’est juste ma seule manière de m’exprimer. Je suis plus intéressé par des graphistes, par des gens qui arrivent à exprimer un monde par le dessin, ce qui est le truc ultime.

Travailles-tu en musique ?
Bien sûr mais y’a pas forcément d’obligation. Si on considère comme John Cage que le silence c’est aussi de la musique, travailler dans le silence, c’est aussi travailler en musique (rires). Ça peut être juste profiter de la clameur de la rue ou de la douceur de la nuit ou bien tout d’un coup, on s’arrête de dessiner parce qu’on a besoin d’écouter un bon morceau de Smog pour se remplir de drame et après dessiner de belles choses (rires).

Coincé sur une île déserte, avec Biolay, Bénabar et Cali, quel disque leur passerais-tu en boucle, histoire de leur faire accélérer la construction du radeau ?
« Metal Machine Music » de Lou Reed pour qu’ils se jettent tout de suite dans l’eau et je construirai moi-même le radeau avec leurs os pourrissants (rires) !

Jimi Hendrix – La légende du Vodoo Child

Dessins : Bill Sienkiewicz - Scénario : Martin I. Green

Quand je me suis mis en tête pour la première fois d’écrire sur le Rock et la Bande Dessinée, j’ai d’abord commencé par établir une bibliographie afin de recenser toutes les œuvres de BD traitant du sujet. Après avoir épuisé ma maigre collection de l’époque et trituré les mots clés sur Internet, j’ai grillé touts mes jokers en faisant appel aux amis susceptibles d’éclairer ma lanterne. Lors de ces interrogatoires poussés et souvent arrosés, une référence revenait régulièrement : « Ah et puis, évidemment, il y a le « Jimi Hendrix » de Sienkiewicz… comment ça, tu connais pas ?
– Sin Kevitz ? bredouillais-je invariablement pour tenter de masquer mon ignardise, si, si bien sûr, tu penses, bon sang, quel idiot, comment ais-je pu… !» Hendrix - Sienkiewicz Finalement, n’en pouvant plus de vivre dans le mensonge et l’hypocrisie, je me suis décidé à faire l’acquisition de l’opus, bien qu’un brin dubitatif en découvrant au premier feuilletage cette débauche d’effets visuels qui ne ressemblait à rien de ce que j’avais déjà lu en Bande Dessinée. Et puis un dimanche soir, histoire de finir le week-end en beauté, je me suis lancé dans l’Oeuvre…
L’apparition de Jimi Hendrix dans le Rock en a radicalement bouleversé tous les canons. Il suffit d’avoir vu l’une de ses prestations scéniques pour comprendre que dans l’histoire des guitaristes de Rock, il y a définitivement lui et les autres. La façon dont cet autodidacte abordait le jeu de guitare, tant sur le plan strictement musical qu’au niveau du jeu de scène était révolutionnaire et reste encore aujourd’hui inégalée.
Or, ce que Green et Sienkiewicz ont magistralement réussi n’est rien moins que de traduire en images l’univers sonore du prodige de Seattle.
Sienkiewicz est un dessinateur virtuose qui a largement contribué à faire évoluer la tradition des Comics avec des récits comme Stray Toasters ou Elektra (avec Frank Miller, l’auteur de Sin City au scénario) où son univers graphique inclassable et parfois déroutant se nourrit de techniques peu usitées dans le neuvième art comme le collage ou la peinture à l’huile.
On ne pouvait rêver meilleur interprète pour retranscrire visuellement la richesse et la complexité de la musique d’Hendrix. C’est sans doute le plus bel hommage que pouvait rendre un dessinateur au génie du plus grand guitariste de l’histoire du Rock, en mettant son art en osmose avec le sujet qu’il illustre. Chaque page est une explosion de couleurs, le trait est précis, le découpage est dense et touffu… comme un solo d’Hendrix. Même si cette richesse et cette originalité pourront décontenancer le lecteur non averti, tout comme la musique du Voodoo Child peut surprendre ceux qui sont persuadés que la guitare de Johnny Hallyday est branchée quand il joue sur scène .
Cette biographie n’aurait pu être qu’un superbe exercice de style si les auteurs avaient perdu de vue leur sujet et négligé la réalité historique. Or il suffit de consulter la liste des remerciements pour réaliser l’énorme travail de documentation effectué. Hormis les étapes décisives, le livre est truffé d’anecdotes plus ou moins connues, judicieusement choisies afin de montrer la personnalité complexe d’HeHendrix 5-12ndrix et d’entrapercevoir ce qui pouvait faire de lui l’un des plus grands génies de l’histoire de la musique.
La vie de Jimi Hendrix est ici retracée comme une fable expressionniste qui met en relief la personnalité hors du commun d’un musicien à part, habité par sa vision du monde et la quête d’un absolu musical, nourri des expériences d’une vie et notamment d’une enfance marquée par l’absence de sa mère.
On sait que Hendrix était un génie de la guitare. Un autre intérêt de ce livre est de rappeler au lecteur, sinon de lui faire découvrir, qu’il était aussi un vrai poète, comme en témoignent les textes de ses chansons qui jalonnent la majorité des planches de l’album.
Une biographie qui fait date, tant dans l’hagiographie hendrixienne que dans l’histoire de la BD Rock dont elle constitue l’un des chefs-d’œuvre mais qui mérite aussi une place de choix parmi les œuvres majeures de la Bande Dessinée en général. On ne peut que souhaiter bon courage à celui qui osera un jour se lancer dans une nouvelle biographie dessinée de Jimi Hendrix.

Punk Rock Jesus

Dessins et scénario : Sean MURPHY

Dans le registre du « Plus, c’est gros, mieux ça passe », les Amerloques sont les rois (oui, bon les Japonais sont pas mal non plus). Certes, il faut adhérer au postulat de départ, mais si c’est le cas, c’est foutu, impossible de décrocher. Prenez les Super Héros, tous ces types qui grimpent sur les murs ou dégomment des buildings d’une pichenette, si on prend juste deux secondes de recul, c’est franchement n’importe quoi. N’empêche, ça fait plus de soixante-dix ans que ça dure. Au demeurant, ceux qui font vivre ces beaux messieurs et ces charmantes demoiselles dans leur combinaison moulante sont souvent des artistes accomplis, Stan Lee, Jack Kirby, John Buscema, Frank Miller ou Bill Sienkiewicz (par ailleurs, dessinateur du sompteux Jimi Hendrix, la légende du Voodoo Child) qui ont donné au genre ses lettres de noblesse.
Punk Rock Jesus 1Et puis il y a bien longtemps que les Comics ne se limitent plus à des mecs qui combattent le mal avec le slip au dessus du collant en affrontant des méchants verdâtres lookés comme des gargouilles. Des auteurs comme Will Eisner, Robert Crumb, Joe Sacco ou Art Spiegelman illustrent toute la diversité de la BD américaine à l’instar de sa cousine francophone. Harvey Kurtzman, fondateur du magazine MAD, a d’ailleurs largement influencé des auteurs comme Gotlib et donc indirectement la BD Rock en France. Tout comme de ce côté-ci de l’Atlantique, le roman graphique a également pris son essor grâce à des auteurs comme Craig Thompson, Charles Burns ou Alex Robinson, pondant des œuvres aussi originales que personnelles.
Sean Murphy, dans Punk Rock Jesus s’inscrit dans cette veine tout en adoptant un postulat dont l’énormité ne déparerait pourtant pas dans un bon vieux récit de Super Héros. A savoir créer un clone de Jésus à partir de traces d’ADN prélevées sur le Saint Suaire. Non, sérieux, c’est quoi cette connerie, Sean ? (pardon, c’était plus fort que moi). C’est pas un peu too much, là ?
Bon, d’accord, rien que pour le titre et la couverture, validons le postulat et laissons nous embarquer pour quelques 224 pages d’une intrigue foisonnante.
Or donc, cette réplique du Christ, fécondé in vitro devient dès sa naissance le héros d’une émission de télé-réalité, filmé 24 heures sur 24 dans une luxueuse et gigantesque propriété high-tech, gardée comme une forteresse. Tout baigne, l’audience grimpe, entre passion malsaine et réaction exacerbée de l’Amérique conservatrice. Tout ça ne pouvait que mal tourner, ou plutôt, très bien, du point de vue des fans de binaire primaire, car ce petit Jésus, Chris pour les intimes, va s’affranchir de ses leçons holographiques de catéchismPunk Rock Jesus 2e à l’eau de rose pour devenir, au détour de l’adolescence, une icône Punk avec son groupe, les « Flak Jackets ». Réjouissante évolution et jouissive révolution au travers de laquelle Murphy donne sa version irrévérencieuse de quelques thèmes identitaires des U.S.A. : Religion, violence ou pouvoir exorbitant des médias. Outre Chris, prophète d’un athéisme militant, cette évangile Rock égratigne une autre figure emblématique du Christianisme, la vierge Marie, ici prénommée Gwen, pauvre fille fragile qui ne tarde pas à sombrer dans la drogue et la dépression.
S’ajoutent à cette galerie de portraits une scientifique écolo, une virago chrétienne intégriste, chef de la N.A.C. (Nouvelle Amérique Chrétienne) et un producteur cupide et sans scrupules. Mais le personnage secondaire le plus fascinant est sans conteste Thomas, colossal garde du corps, ex-terroriste repenti de l’I.R.A., père de substitution de Chris… et fan des grands groupes du Punk britannique, Sex Pistols, Clash et bien sûr les Nord-Irlandais Stiff Little Fingers.
Tous les ingrédients sont réunis pour un cocktail que le dessin fait exploser avec une précision chirurgicale et une densité impressionnante, notamment dans des scènes d’action d’une efficacité bluffante. Certaines planches offrent une telle profusion de détails qu’on hésiterait presque à s’y plonger. Pour apprécier pleinement un tel récit, mieux vaut donc s’y lancer à fond, sans avoir peur d’être ballotté, voire franchement bousculé, comme dans un pogo furieux. Dessin époustouflant, scénario captivant, rythme trépidant, Punk Rock Jesus est une œuvre majeure de la BD Rock tant par sa virtuosité graphique que par son approche résolument moderne et iconoclaste.