Archives pour la catégorie Bonnard !

Amazigh (et Nass El Ghiwane)

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Dessins : Cédric LIANO – Textes : Mohamed AREDJAL

J’ai lu Amazigh au mois de janvier, après avoir arpenté le bitume de ma ville comme des  millions d’autres, juste pour être là et pour montrer que, non décidément, même si on ne se bouge pas comme d’autres pour le gueuler sur les toits, même si on ne prend pas de risques, même s’il n’est pas sûr qu’on serait prêts à mourir pour ça, n’empêche, on n’en pense pas moins. Et donc, on n’accepte pas un monde où la croyance obscurantiste de quelques-uns prendrait le pas sur une liberté fondamentale et universelle, celle d’avoir le droit de penser ce que l’on veut et surtout de l’exprimer, à condition bien sûr que l’objet de cette pensée ne retranche pas à ceux qu’elle vise ne serait-ce qu’une petite parcelle de leur humanité.
Amazigh (prononcer « Zir », idéal soit pour passer pour un mec cultivé, soit pour s’la péter, les deux étant très compatibles) raconte l’odyssée de jeunes Marocains qui justement veulent rejoindre ce monde occidental où tout semble possible et moins étroit. Mais du rêve à la réalité, le constat est rude et la route est raide. A remettre en perspective depuis les événements sanglants de ce début janvier. Une histoire vraie, magistralement narrée, efficace et réaliste comme un documentaire et prenante comme un récit d’aventures, le genre d’œuvre qui vous donne l’impression de comprendre un peu mieux le monde. Le festival Angers BD ne s’est pas trompé en lui décernant le prix Première Bulle, récompensant un premier récit de BD. Depuis, il a également récolté le prix Œcuménique au dernier festival d’Angoulême. Délicieusement ironique, quand on sait que Cédric Liano est un anticlérical prosélyte.
Bon et alors, t’es gentil, mais ici on cause de Rock, alors, quoi ? Eh bien, quand Cédric, qui est un mec charmant au sourire communicatif, m’a demandé si je voulais quelque chose de particulier pour ma dédicace, je lui ai répondu que j’avais pas encore lu le bouquin et que donc, je savais pas trop, mais que… sur le thème du Rock… éventuellement… Et donc, il a fait ça :
Nass El Ghiwan
Un dessin qui raconte à lui seul une histoire, vraie, celle d’un concert de Nass El Ghiwane, un groupe marocain que je ne connaissais ni d’Eve, ni d’Allah, ayant débuté dans les années 1970. A l’époque, le roi du Maroc, Hassan II, était un despote, certes éclairé et mélomane mais despote quand même et surtout omniprésent. Sur la scène, son portrait géant était exhibé pour bien rappeler au public qui était le vrai patron à qui tous devaient ce grand moment de réjouissance musicale.
D’où cette harangue du chanteur pour remettre un poil les choses à leur vraie place. Un bel exemple de courage et un grand moment de Rock’n Roll. Il semblerait que ça ne leur aurait pas attiré trop de problèmes, Hassan II se revendiquant comme un grand fan de leur musique.
Nass El Ghiwane n’est pas à proprement parler un groupe de Rock. Ils ont cependant modernisé la musique marocaine, tout en gardant les instruments traditionnels mais en lui insufflant un rythme et des orchestrations résolument modernes, ce qui se retrouve aussi dans leurs textes. Après ça, je m’arrête, car j’arrive à la limite de mes capacités sur le sujet. Martin Scorsese a utilisé leur musique dans La dernière tentation du Christ et les a qualifiés de Rolling Stones du monde arabe. Alors donc, respect.
Quant à toi, Cédric, merci pour cette superbe dédicace, cette petite édification culturelle et pour Amazigh, bien sûr.

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Bruno Rival à Rocking Angers

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Ma tronche sur un plateau de télé pour causer encore et toujours de Rock et de BD. Merci encore à Sébastien de m’avoir invité et mes humbles et sincères excuses à tous les auteurs des BD dont je n’ai pu montrer les œuvres. Le top 5 que je présente ici, imposé par le format de l’émission, ne correspond pas forcément à mes cinq BD Rock favorites, même si elles en font partie. Il s’agissait de montrer un panel le plus varié possible de ce qu’est la BD Rock. J’ai dû choisir… et donc renoncer.

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Hellfest 2013

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Au bout de la cinquième année, je crois que j’ai fini par comprendre, le Printemps des Poètes, c’est pas à Clisson, j’ai dû confondre. L’expérience aidant, le rendez-vous m’est devenu familier et la circonspection tout aussi curieuse que méfiante de la première année (et même un peu déphasée, je dois l’avouer… le Black Métal en live quand on n’a pas l’habitude…) a laissé la place à une franche excitation. J’ai depuis considérablement étoffé ma culture Métal au sens large du terme et j’ai désormais les clés pour sillonner entre les stages sans trop m’égarer en chemin si ce n’est pour, entre deux plâtrées de décibels, faire le plein de houblon et de junk-food, déversés à profusion pendant ces trois jours… on n’est pas là pour faire la fine bouche et encore moins la sourde oreille !

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Si bien que cette année, armé d’un appareil compact, facile à manier et transporter, j’ai tenté le coup du reportage photo, sans prétention, juste histoire d’immortaliser tous ces joyeux lurons sur et autour de la scène et partager ces moments de pure électricité tellurique. C’est pas du travail de pro, mais c’est moi qui l’ai fait… enjoy ou pas, à vous de voir.

Lieux


Concerts

Tronches (merci à celles et ceux qui ont bien voulu prendre la pose)

Y’a même des dessinateurs de BD !

Pour retrouver en (superbes) images le public du Hellfest, la série Pure Fucking People du sus-photographié Will Argunas, s’impose.

Chapeau bas pour une organisation impeccable et impressionnante d’efficacité et de professionnalisme (hormis le son parfois pas terrible de certains concerts sous les chapiteaux).

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Glam Glitters

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Quand on croise Cyril Trichet, dessinateur, entre autres, de l’excellente série fantastique Les Arcanes du Midi-Minuit, on n’imagine pas que l’auteur sagement assis à sa table de dédicaces, derrière un visage juvénile, les yeux cerclés de lunettes rondes, est dans l’intimité un serial rocker. Car entre deux planches de BD, le jeune homme placide et bien élevé, après avoir enfilé les santiags, le slim léopard, la chemise à jabot, et ceint son front d’un bandana écarlate, branche sa guitare et pousse à fond les potards de son ampli.
On a tous son jardin secret… sauf que le jardin est ici un parc ouvert au public, au travers de l’album Back To The Future sorti en juin 2013. Le sieur n’en est d’ailleurs pas à son premier essai puisqu’en 2011, il avait déjà sorti un album dans la même veine, intitulé Coming From 1984.
Glam GlittersDès les premières notes de ce second opus, on comprend de quoi il va retourner, gros riff, chorus dès l’intro, saturation scintillante, pas de doute, c’est bien du Glam Rock, mâtiné de Hard Rock, le tout formant un cocktail efficace et carré.
Sur ce torrent d’électricité, se greffent des textes en anglais, assénés d’une voix péchue, parfaitement en phase avec le style.
C’est déjà une agréable surprise de voir ce qu’un « amateur » éclairé peut tirer d’une passion qui va bien au-delà d’un simple passe-temps. Cyril Trichet appartient à cette confrérie de dessinateurs BD, tels Swolfs, Sternis, Cromwell, Gibrat ou Meynet, qui maîtrisent avec la même aisance dessin et musique qu’ils pratiquent dans leurs groupes respectifs..
A un tout petit détail près : Derrière les Glam Glitters se cache… eh ben, Cyril Trichet lui seul, qui grâce à son talent, allié à une bonne maîtrise de la technologie, compose, chante et joue tous les instruments, ayant seulement délégué l’écriture des textes, Même si l’informatique lui permet de donner corps à ses créations, il a tout de même pris soin d’enregistrer en studio pour étoffer le son. Et bien sûr, il s’est chargé de l’artwok de Back To The Future, qui en rendant hommage à la trilogie cinématographique, donne vie sur le papier aux quatre membres de ce groupe virtuel, avec un accoutrement et un look dignes des meilleurs combos de Glam Rock.
Néanmoins, loin d’être la seule expression d’un effort (plaisir !) solitaire, les Glam Glitters se produisent parfois en chair et en os, leur géniteur s’entourant d’autres musiciens pour jouer en live.
Un projet de BD est également en gestation, ce qui donnerait à ce groupe virtuel une autre dimension spatio-temporelle. Une vraie BD de fiction Rock jouée par un groupe existant pour de vrai, du jamais vu depuis les Closh et on attend ça avec impatience !

Le site officiel des Glam Glitters, c’est par ici !

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La fille

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Dessins et Textes : Christophe BLAIN – Musique : Barbara CARLOTTI

Par un dimanche après-midi pluvieux, énième avatar du mois de mai le plus pourri de mémoire de moi, je glisse le CD dans la platine et j’ouvre le bouquin, en route pour une expérience dont je ne sais trop quoi penser.
La FilleJ’ai adoré Le Réducteur de vitesse, bien aimé Isaac le Pirate et apprécié Gus. Et j’ai retrouvé dans La Fille ce ton et cette vision qui font de Christophe Blain un auteur unique dans la BD, avec cet art consommé de renouveler à sa manière des thèmes ultra défrichés. Sa Fille n’échappe pas à la règle, belle et rebelle, indépendante et fragile, sensuelle et romantique. L’intrigue revisite mythes et héros hollywoodiens, western, pin-ups et grosses cylindrées, entre violence, érotisme, musique et love-story. Tout cela est de fort bon gout et l’on retrouve les personnages de Blain, aussi décalés qu’archétypiques. En gros, c’est l’histoire d’une motarde qui rencontre un cow-boy modèle réduit.
Contrairement à ce qu’annonce le sticker sur la couverture, à savoir une BD musicale, il s’agit plutôt d’une nouvelle, retranscrite dans le livre et lue dans le CD, illustrée par les chansons de Barbara Carlotti, dont les paroles figurent également dans le livre, ainsi que par les planches de BD de Christophe Blain. Cette multiplicité des supports, si elle provoque chez le lecteur-auditeur toute une gamme de sensations et l’immerge dans les méandres d’un récit dense et original, s’avère néanmoins plutôt déroutante. Pour ma part, j’avais choisi la totale : lire la nouvelle en l’écoutant simultanément. Un exercice qui s’avère assez fastidieux au bout d’un temps car il ralentit la lecture. Le fait que certaines planches de BD soient décalées par rapport au texte lu est aussi gênant car, même si l’on n’est jamais paumé, cela nuit à la fluidité du récit.
J’aurais peut-être dû soit zapper la lecture des textes et écouter le CD en regardant les illustrations BD et à la limite en lisant les paroles des chansons ou alors juste lire le livre et n’écouter dans le CD que les chansons… sauf que la chanson française, en ce qui me concerne… je suis définitivement « Luzien ». Et si je reconnais les qualités intrinsèques de Barbara Carlotti, ses musiques, sa voix sonnent beaucoup trop hexagonales pour moi, trop littéraire et trop linéaire, privilégiant le texte au détriment de la mélodie et de la musique, bref du bien de chez nous.
Cet exercice de style aurait pu, à mon humble avis, être génial en se limitant à deux médiums au lieu de ce triptyque qui s’égare en empruntant trop de chemins, BD, nouvelle et livre audio. Pourquoi pas juste un récit audio illustré en musique et en BD avec le double, voire le triple de planches ? Là oui, on aurait pu parler de BD musicale, la musique des chansons et celle de la voix lisant le texte.
Au bout du compte, La Fille me laisse perplexe, peut-être parce que je n’ai pas su comment la prendre (oui, bon, désolé). Le multimédia, c’est génial, à condition d’avoir assez de mémoire vive… je dois pas être équipé de la bonne version. N’empêche que l’expérience méritait d’être faite et que je ne regrette pas le voyage, même sur le siège passager d’une moto anglaise tape-cul.

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Pure Fucking People

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Dessins et Textes : Will ARGUNAS

Pour mon anniversaire en 2010, un pote m’a offert un art book réalisé par un dessinateur rencontré au festival de Blois. Le titre, la couverture et le contenu constituaient une bonne idée de cadeau pour un type comme moi, amateur de Hard-Rock, Heavy Métal, Stoner (un même un peu de Death ou de Black quand je suis d’humeur légère).
Pure Fucking 3A l’intérieur, de superbes illustrations montrant dans des attitudes plus vraies que nature un panel de Métalleux de tous sexes, tous ages et tous styles, pris sur le vif au Hellfest. Le Hellfest, je rappelle, pour ceux qui reviendraient d’un long exil, Guantanamo, monastère tibétain, classe-prépa, etc. est l’un des plus gros festivals de Rock de l’Hexagone, d’Europe s’agissant plus spécifiquement de Métal. Compte tenu de la programmation très éclectique des autres gros évènements du même genre, tels Vieilles Charrues ou Printemps de Bourges, on peut même dire que c’est le plus gros festival de Rock de France. Evidemment, la musique des groupes qui s’y produisent n’est pas à mettre entre toutes les esgourdes, surtout si elles sont catholiques pratiquantes. Une certaine Christine a d’ailleurs lancé en 2009 une de ses croisades moyenâgeuses contre le festival, n’hésitant pas à demander au patron de Kronenbourg de ne pas le sponsoriser (un peu comme si on demandait à Adidas de ne pas sponsoriser les J.O.). Ça nous a bien fait marrer et accessoirement, ça a fait une bonne pub au Hellfest, sold-out pour la première fois cette année là.
Mais au Hellfest, outre les descendants de Vikings gardant toujours une dent contre les Chrétiens, il y en a vraiment pour tous les goûts et toutes les chapelles du Métal, auquel s’ajoutent le Punk, le Progressif et le bon vieux Hard-RoPure fucking 1ck des familles. Avec une telle diversité, le spectacle est aussi devant la scène dans un joyeux mélange de looks, des plus passe-partout au plus extrêmes. Mais tout cela se déroule dans la bonne humeur et dans un grand esprit de tolérance. Sans doute se crée-t-il une tacite connivence, une reconnaissance mutuelle, liées au fait que l’on y vient pour écouter une musique boudée et incomprise par les médias, rebutés par son agressivité (positive) et sa radicalité.
Pure Fucking People nous plonge dans cette ambiance et rend un bel hommage avec empathie et, malgré ce que l’expression pourrait avoir de paradoxal en l’espèce, une certaine tendresse pour ces allumés de musique qui s’enfilent goulument décibels et litres de bière.
Travaillant d’après photos, le dessin hyper-réaliste de Will Argunas restitue dans un noir et blanc somptueux, d’un trait élégant et précis, l’attitude de ces fans de musique. Ils y sPure Fucking People 2ont tous, tatoués, casqués, cloutés, en short, en cuir, en Docs, en déguisements improbables ou sans look particulier. Mecs et nanas, capturés dans des poses banales ou excentriques, statiques ou en mouvement. Chaque portrait raconte une petite histoire, une tranche de vie de chacun de ces festivaliers, soudain sublimés et embellis par le truchement de l’illustration.
Dans le troisième tome paru très récemment, l’auteur a innové en rajoutant à chacun de ses dessins une légende qui apporte un réel éclairage sur son travail et permettra aussi de s’immerger encore plus dans l’atmosphère du Hellfest. Un ouvrage dans lequel les uns se reconnaitront tandis que les autres découvriront et comprendront peut-être mieux ces vrais fans de Rock (et vice-versa), pure fucking people, définitivement.

Bonus Track : 3 questions à Will ARGUNAS

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Films Rock

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Une nouvelle page sur Rock et BD avec une petite sélection de films Rock, pour le fun, histoire de sortir un peu de la BD et parce que ça nous plait, comme disait OTH.

Affiches films(cliquez sur l’image pour accéder à la page)

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Beatles Collector – La fabuleuse collection Jacques Volcouve

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Un livre de Ersin Leibowitch, Dominique Loriou… et Jacques Volcouve

Les collectionneurs ont quelque chose de fascinant. Cette quête incessante qui les transforme en doux dingues, amateurs éclairés… ou monomaniaques obsessionnels. Toujours à la recherche de la pièce manquante, la perle rare pour laquelle ils se lèveront aux aurores, sillonneront les routes, écumeront les conventions et les foires en tout genre (le vide-grenier du dimanche matin après avoir bringué la veille, ça me laisse pantois). Ce sont en quelque sorte des créateurs par procuration avec plus ou moins de talent. Mais à un certain niveau, la collection peut devenir une œuvre à part entière. A tout le moins, quelque chose qui distinguera son possesseur du commun des mortels.
Il y a des collections que l’on pourra juger moins nobles… comme les capsules de bière ou les couvercles de boîtes à fromage. Certains jettent leur dévolu sur les fly-tox, tels Frank Margerin qui, quant à lui « fait des collections de collections », d’autres sur les armes blanches des deux guerres mondiales (ce bon vieux Lemmy) … peu importe, la quête est plus importante que son objet et comme disait Camus, « La lutte vers les sommets suffit à remplir un cœur d’homme ».
N’empêche, il y a des montagnes plus abruptes que d’autres et des cimes encore inviolées. S’attaquer aux Beatles en fait partie. Et c’est pourtant ce qu’a entrepris de faire Jacques Volcouve, depuis qu’il est adolescent : constituer l’une des plus belles collections mondiales autour des Fab Four. Une œuvre insensée, tant les Beatles, au delà d’une discographie « officielle » (pour ne parler que de la britannique) d’une douzaine d’albums, ont généré et génèrent encore aujourd’hui une somme incommensurable de produits, dont certains franchement très dérivés. Pressages étrangers ou mieux…pirates, films, affiches, fringues, figurines, jouets, pins, badges et objets en tout genre, sans oublier les pépites ultra-collector que peuvent constituer une photo inédite, un article de presse ou un billet de concert.
Néanmoins, cette monomanie n’a rien d’une lubie. Volcouve est un vrai dingue des Beatles et sa collection, loin d’être une fin sans soi, est le médium par lequel il entretient sa passion sans limites. Son credo est parfaitement résumé dans l’introduction du livre « Pour moi, les Beatles donnaient du bonheur alors que les autres groupes donnaient seulement du plaisir ».
Ce bonheur, il n’a eu de cesse de le partager, bourlinguant autour du monde pour dénicher l’objet encore plus improbable, créant un magazine, donnant des conférences, écrivant des livres… avec quelques points d’orgue comme ces rencontres, épistolaires et même en chair et en os avec ces apôtres de la Pop dont il répand la bonne parole depuis plus de trente-cinq ans, celle des Beatles mais aussi celle de ses quatre membres prolongeant l’évangile après 1970 (quoique de manière souvent discutable selon les exégètes).
Le livre, richement illustré, offre un bel aperçu de la collection mais ne se limite pas à une plate iconographie. C’est une vraie hagiographie, retraçant avec rigueur et souci de la précision historique le parcours des Beatles, mais en évitant l’écueil fréquemment constaté dans les innombrables biographies déjà pondues sur le mythe, ce côté universitaire et encyclopédique, souvent bien barbant. Ici, l’approche est originale, raconter les Beatles par l’objet, et met en lumière le point de vue du fan, plus tangible et plus authentique.
Les Beatles sont immortels et la collection de Jacques Volvouve en est l’une des plus réjouissantes illustrations, grâce à laquelle il méritait bien lui aussi son petit fragment d’éternité.

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Le Roman du Rock

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Auteur : Nicolas Ungemuth

Le titre peut surprendre et l’entreprise paraître prétentieuse. Comme s’il était possible de narrer en quelques 250 pages et une vingtaine de chapitres six décennies d’histoire musicale, de cet art populaire, commodément dénommé Rock mais qui recoupe tant de catégories, de formes et de héros obscurs ou légendaires. Il suffit pourtant de lire le sommaire pour se rendre compte que, pour l’essentiel, tout ce qui mérite d’être mis en avant dans la genèse du Rock semble bien être là, d’Elvis à la nouvelle vague du Rock indé anglais. Et tant qu’à faire des choix, autant se concentrer sur l’essentiel.
Reste le contenu, ce qui nous ramène au titre de l’ouvrage. Un roman ? Eh bien oui, définitivement. Quand Ungemuth retrace la carrière des plus grandes icones du Rock ou dépeint ses principaux courants, c’est bien une histoire qu’il nous conte. Une histoire qui sous sa plume prend la dimension dramatique propre à maintenir l’intérêt du lecteur. Celle de ces grands destins, de ces héros magnifiques, le plus souvent rimbaldiens (j’aime cet adjectif, ça fait super genre « je m’y connais à mort en littérature ») qui créent tous leurs chefs-d ’œuvres dans leurs jeunes années. Car c’est bien de cela qu’il s’agit, de cette grâce, de ce feu sacré qui brûle dans les veines de ces géniaux compositeurs avant que les seringues de dope n’en tarissent la sève. Ce feu dont les survivants arrivent parfois à entretenir la braise mais qui pour beaucoup s’éteint définitivement, passé la trentaine. L’intrigue est quasi immuable mais toujours aussi passionnante.
Ce qui fait aussi le charme de l’opus réside à l’évidence dans l’approche résolument subjective et partiale de l’auteur. Il ne s’agit pas d’une suite de chroniques plates et neutres. Ungemuth prend parti. Il dresse des mausolées avec le même aplomb qu’il démolit les temples. Comme dirait Pascal Rabaté, il ne juge pas, il condamne. A l’instar d’un Lester Bangs, la critique est sans ambages. Chef-d’œuvre ou daube, voire grosse daube. Forcément, quand le lecteur est du même avis, et c’est mon cas à 90 % en l’espèce, c’est assez jubilatoire. Reste 10 % de désaccord, où l’on aurait bien envie de crier à l’erreur judiciaire face à un verdict aussi arbitraire.
Pour Ungemuth tout s’est joué avant 1970 et depuis le Rock n’est qu’une suite de redites parfois brillantes ou inspirées, tel l’épisode du Punk, mais qui n’atteindront jamais le niveau des pierres philosophales empilées tout au long de cet âge d’or.
En partant de cet axiome insurmontable, cela permet d’expédier en quelques pages le Rock progressif et le Heavy Métal sans vraiment se pencher sur la question. Mais j’ai trop de recul par rapport à ça pour m’offusquer de la chose et je ne concèderai tout au plus qu’une pointe d’agacement. D’autant que Ungemuth règle par ailleurs son compte au Rock français de manière assez magistrale et pour le coup plutôt bien argumentée, tout en réservant un petit éloge aux Thugs, ce dont mon chauvinisme angevin ne peut que se réjouir.
Sinon, il est indéniable que le Roman du Rock est le vade-mecum indispensable pour briller en société et y passer pour un puits de science en matière de Rock, tout en constituant un ouvrage initiatique pour les apprentis critiques quant à l’art exigeant de prononcer des sentences irrévocables.

 

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Blitzkrieg – Histoire du Punk en 45 tours

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Auteur : Géant Vert

Le Punk a littéralement pété à la face du monde civilisé en l’espace de quelques mois, à partir de 1976. Un Big Bang musical dont l’univers ainsi créé s’est replié sur lui-même à l’orée des eighties et dont il ne reste plus aujourd’hui que quelques étoiles boursouflées et l’écho dérisoire de gentils punkisounours amerloques qui n’ont retenu du truc que l’aspect visuel, crêtes, tatouages et piercings bien propres sur eux. La déflagration a duré quelques années tout de même et a donné vie à une foultitude de combos improvisés, suscités par l’irruption des Sex Pistols.
Ces premières fois qui ont régénéré le Rock se gravaient à l’époque sur des vinyles 45 tours, prémisses d’œuvres plus fournies ou pétards sans lendemain, à la discrétion des maisons de disques gardant l’œil rivé sur les chiffres de vente.
Géant Vert a entrepris de nous faire revivre cette épopée fabuleuse en 80 singles, les 80 premiers efforts de ces groupes à la carrière souvent météorique, à l’image du plus emblématique, les Sex Pistols. Le gaillard, journaliste à Rock & Folk depuis des lustres (et en charge de la chronique BD !) connait parfaitement son affaire, le Punk il a grandi avec et il en a fait puisqu’il était du line-up originel de Parabellum. Il lui a suffi de plonger dans sa discothèque pour en extraire toutes ces perles électriques. La sélection est pointue et drastique puisqu’elle comprend exclusivement des titres allant de 1976 à 1979, classés par ordre chronologique. Il est vrai que le Punk en tant que tel est historiquement apparu à cette période malgré l’énorme coup de semonce en provenance des States au début des années 1970, asséné par les Stooges. Mais la filiation de ceux-ci s’inscrivait plutôt dans les courants Glam et Hard-Rock dont Iggy et sa bande ont fait une retentissante synthèse. Les Punks avaient certes le même goût pour la provocation mais ils voulaient revenir aux sources et à l’esprit fondateur du Rock’n Roll, en réaction au Rock emphatique et grandiloquent qui commençait à emplir les stades. C’était la démarche revendiquée des Ramones, ce sera le credo de tous ces branleurs acnéiques, aux dents gâtés et au look déjanté, avec pour les Britons, ce sentiment d’urgence dicté par la crise économique.
Même si Géant Vert en a forcément laissé sur ses étagères, cette anthologie présente la crème du Punk, des légendes incontournables, comme les Pistols, les Clash ou les Ramones, aux plus obscurs (vous connaissiez The Nipple Erectors ? Oui ? Respect !) en passant par les cultes, tels les Misfits, Johnny Thunders ou les Saints et n’oublie pas non plus les quelques gloires françaises, comme Starshooter ou LSD (si l’acronyme ne vous évoque rien, désolé). La démarche est simple et efficace comme un riff de Punk : Deux pages pour chaque galette, avec la pochette pleine page sur la première et la genèse de l’œuvre et de ses géniteurs sur la seconde. Le tout dans un format 45 tours avec une typographie qui fleure bon le revival des magazines de Rock de l’époque. Une plongée dans un passé glorieux que Géant Vert déterre dans un style sobre, quasi encyclopédique avec la volonté évidente de bien faire à chaque fois le tour de la question.
Si vous aimez vraiment le Punk, le vrai, ce bouquin doit trôner sans délai dans votre discothèque ou bien il n’y aura pas de futur pour vous, comme disait Jeannot le Pourri. Perso, j’ai pas de mérite, c’était mon cadeau d’anniversaire.

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Les Hives en concert

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Non seulement le Zénith de Paris n’est pas plein mais en plus l’accès aux premiers rangs se fait aisément au milieu de la prestation du groupe en première partie. De quoi finir tranquillement son jambon-beurre-Kro sans malmener mes intestins.
Les gentlemen suédois arrivent en queue de pie et haut de forme, leur tenue officielle pour la tournée du dernier album Lex Hives, sans doute l’un de leurs meilleurs opus.

Les couvre-chefs valdinguent rapidement, le groupe étant bien décidé à mettre le feu. Si leur énergie fait plaisir à voir, entre les facéties jaggeriennes du chanteur qui joue la rockstar qui se la pète et la fougue du guitariste rouquin (qui se la pète tout court, la vraie star du groupe, c’est lui), j’ai du mal à passer le cap du hochement de tête approbateur. Je ne suis pas un immense fan du Punk bien léché des HIves mais je l’apprécie pour ce qu’il a toujours été, classique, efficace, racé. Mais aussi sans surprise ni véritable perle tubesque qui aurait pu offrir au combo un statut plus large que celui d’icône du Rock Garage.

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Cette étiquette n’est d’ailleurs pas forcément appropriée car ici le garage ressemblerait plutôt à un loft spacieux, lumineux et bien entretenu. Les Hives font du Punk léché et racé, classieux avec une recherche permanente de se démarquer de la concurrence en cultivant le décalage avec leur image de dandys électriques. C’est naturellement sur les planches qu’ils peuvent exploiter à fond le filon mais l’exercice a aussi ses limites car hormis quelques premiers rangs embarqués dans le rituel pogo agrémenté de quelques rares slammeurs, on ne sent pas la salle vibrer à l’unisson. Les Hives sont facétieux, marrants et sincères, et musicalement d’irréprochables rockers mais il leur manque peut-être ce premier degré naïf et rageur qui sied souvent à ce genre de musique. N’empêche, on ne va pas faire la fine bouche, ça reste un excellent groupe, qui mérite le détour et le coup d’œil, tant on sent ses membres totalement impliqués dans leur prestation, ce qui est déjà beaucoup, à défaut de déclencher l’enthousiasme béat.

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Bande originale

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Un roman de Rob Sheffield

C’était au temps où le CD n’avait pas entamé son règne éphémère, quand employer le terme « numérique » vous faisait ipso-facto passer pour un polytechnicien. Pour conserver et surtout échanger et diffuser la musique, on ne téléchargeait pas, on copiait les disques vinyles sur un petit objet rectangulaire abritant une bande magnétique sur laquelle on pouvait archiver le meilleur de nos penchants musicaux pour se les passer ensuite sur toutes sortes de supports plus ou moins sophistiqués, du magnétophone mono au son pourave jusqu’à la chaine Hi-Fi en passant bien sûr par l’autoradio.
Ces petites anthologies portables, ces fragments de Panthéons musicaux, sont l’argument principal du roman de Rob Sheffield. Détaillées par le menu en exergue de chaque chapitre, elles illustrent les étapes de la courte vie de couple des deux protagonistes. Courte car Renée est décédée et a laissé le narrateur seul avec sa peine et le vide abyssal de son absence.
De cette union brève et intense, il ne lui reste que ses souvenirs qu’il égrène au fil des chapitres, de minces tranches de vie ponctuées de musique, comme une bande-son accompagnant chaque scène de leur histoire. Il faisait régulièrement des cassettes, au gré de l’humeur du moment, avec l’application et la manie d’un collectionneur insatiable. Et ces petites compilations personnelles et uniques étaient comme autant de liens qui renforçaient l’amour entre ces deux jeunes adultes un peu marginaux, du moins au regard du standard américain. Une relation forte et exclusive dont il ne subsiste comme preuve tangible que ces petits rectangles de plastique.
Hormis le thème de l’amour perdu et de la souffrance du deuil auquel j’avoue avoir eu du mal à adhérer jusqu’à la fin du récit, c’est bien dans l’évocation quasi encyclopédique de tout un pan de l’histoire du Rock américain, spécialement le courant indépendant, que réside l’intérêt majeur du livre. Rob Sheffield, en journaliste de Rock chevronné, présente un foisonnement de références (dont je confesse en ignorer beaucoup). Surtout, il illustre parfaitement à quel point, pour un fan, la musique peut être un élément essentiel de son quotidien et au bout du compte une nécessité vitale et une voie vers la rédemption.

 

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Shaka Ponk en concert

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On se pointe une demi-heure avant l’ouverture des portes et la populace est déjà bien fournie. D’jeune forcément mais pas que. C’est même un public assez familial (à commencer par ma petite famille) avec une amplitude d’âge qui va du schtroumpf à peine sevré au cheveux blancs clairsemés. Pas un public hyper branché donc mais qui remplit complètement le Zénith de Nantes.
Je vais donc enfin voir ce phénomène de concert dont la réputation a grandi au fil des tournées et du bouche à oreille. Pour voir, on a vu et on s’en est pris plein la tronche. Un spectacle bluffant, millimétré mais qui n’exclut pas l’énergie rock’n roll. Les Shaka Ponk ont mis au point une formule imparable servi par un son parfaitement au point, des zicos sûrs de leur fait, emmenés par deux chanteurs qui, certes sans être de grands vocalistes, (vive le delay) compensent avantageusement par une activité incessante et une complémentarité impeccable.

On ne sait plus vraiment où porter son regard entre les membres du groupe à l’œuvre et la scénographie vidéo qui décline un univers visuel différent à chaque morceau. Mention spéciale pour les ombres chinoises et le duel de batteurs entre le vrai en chair et en sueur et Goz, le singe virtuel (un clin d’œil à Sheytan ?).
Sur le strict plan de la musique, c’est tout aussi imparable. Carré, efficace, un dosage équilibré entre une architecture heavy-rock et un habillage électro, de quoi bouger le bassin tout en headbanguant en rythme, à l’image du bassiste.
Évidemment, d’aucuns diront que cette orgie visuelle cache peut-être un répertoire qui ne survivra pas à l’effet de mode, qu’on risque d’ailleurs de trouver les disques bien fades après une telle prestation. Que les textes sont peu fouillés (ah, les critiques de Télérama, dès fois y mériteraient qu’on les balance dans un Mosh de Deathcore, histoire de leur apprendre ce qu’est l’esprit Rock). Que cette bande de geeks obsédés par le high-tech et l’image programment plus leur musique qu’ils ne la composent. Bref, qu’on est dans le mainstream, sempiternelle critique faite aux groupes français qui conquièrent un public plus large que le strict milieu Rock et dont l’on commence à un peu trop parler.

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Je répondrai, votre Honneur, qu’hormis des passages réguliers sur quelques chaînes et radios musicales, on ne peut pas dire qu’il y ait matraquage ou alors que dire des rockstars anglo-saxonnes qui squattent les ondes et alternent stades et grandes salles (100 euros pour Muse, non mais je rêve !), que ces frenchies ont bâti leur succès sur scène et qu’au vu de ce qu’ils y font, ils méritent bien leur place au soleil. Parce qu’avec des concerts aboutis, généreux et péchus comme celui-ci,on est bien au niveau international. Et si ça permet en plus à un large public de tendre l’oreille vers le Rock, grâce leur soit rendue. De plus, j’ai eu la chance, et ça n’arrive pas si souvent, de voir un groupe au top avec un concert dont la play-list ne laisse aucun regret, tous les titres forts ayant été joués avec un dernier rappel judicieux.
« French Touch Puta Madre », définitivement.

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Radiohead en concert

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Ben voilà, c’est fait. Encore des lumières plein les yeux… et quelques acouphènes bien vite dissipés, preuve que le son était au top.
J’vais pas raconter le concert car cela ne ferait qu’illustrer une fois de plus cet aphorisme de Maeterlinck « À peine exprimons-nous quelque chose qu’étrangement nous le dévaluons. »
Je me contenterai de dire que j’ai peut-être vu l’un des concerts les plus fantastiques de ma modeste carrière d’amateur de Rock. Tout y était, un son parfait, un light-show sobre mais somptueux, sublimé par ces écrans suspendus à des filins qui restituaient en gros plan les détails du concert. Tout cela formait un ensemble d’une harmonie rare et précieuse.


Enfin surtout, il y avait eux, cinq (plus un deuxième batteur s’il vous plait) musiciens accomplis, géniaux, maîtres de leur art. Visiblement heureux d’être là, de nous jouer leur musique d’une autre planète. Ça fait plus de 20 ans qu’ils ont débuté ? J’ai l’impression qu’ils n’ont pas pris une ride, même Johnny Greenwood a gardé sa mèche d’ado brit-pop taciturne. Probable qu’une musique intemporelle ça conserve.
Et puis bien sûr, Thom Yorke, dont la voix reste l’une des plus belles du Rock et qui est de surcroit un frontman de haut niveau, chose que sa pudeur et sa réserve hors la scène ne laissent en rien présager. A l’inverse, Colin Greenwood reste ostensiblement au fond de la scène, calé entre les deux batteurs avec qui l’osmose est totale.
Evidemment, j’aurais aimé qu’ils jouent deux ou trois morceaux que j’adore (non, pas Creep !) mais avec un répertoire d’une telle richesse et au vu de leur parcours, rien d’étonnant à ce qu’ils privilégient désormais les morceaux d’ambiance où leur science du son s’exprime le mieux. Et puis, j’ai eu mon petit Street Spirit, on va pas se plaindre !
NB : Les photos ci-dessous sont pas top (un smartphone, ça vaut pas un VRAI appareil photo) mais j’étais pas là pour faire un reportage et ça peut quand même donner une vague idée de ce moment d’exception que nous avons vécu ce soir là. Par contre la vidéo ci-dessus est de qualité. Merci à celui qui l’a postée sur Youtube.

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